Anders Eliasson: Desert Point ∙ Ostácoli ∙ Sinfonia per archi

"ELLA NO TOMA PRISIONEROS"
Anders Eliasson y el arte de la presencia infinita

“La música era mi única forma de sobrevivir en este mundo.” De niño, Anders Eliasson formó una orquesta con sus soldados de juguete, se sentó frente a ellos y cantó, imitando las voces de los instrumentos. La primera música que puede recordar es "mi propio canto". A la edad de nueve años le regalaron una trompeta, fue entrenado por músicos de jazz experimentados y pronto fue el líder de su propia banda, compuesta por dos clarinetes, trombón, batería, guitarra y trompeta. A los catorce años recibió lecciones de armonía y contrapunto. 'Pero no fue mucha suerte en el resto de mi vida en ese momento. Sufrí increíblemente. Cuando tenía dieciséis o diecisiete años, me enfermé mucho. Tuve que ir al hospital: psicosis.«

Dos años después, Eliasson está en Estocolmo, donde encuentra a su mentor en Valdemar Söderholm: »Me mostró el camino. Estudié contrapunto con él durante cinco años. Bach, Bach, Bach, la energía más alta con la que puedes entrar en contacto.” También compone al mismo tiempo, pero “eso no era nada: 'Teatro Musical', 'Música Cinética', y me familiaricé con la estética de la clásicos y los modernistas. Muchos intentos idiotas, pero tenía que conocerlo, acostumbrarme, saber lo que estaba haciendo.«

Luego se une a la clase de composición de Ingvar Lidholm, uno de los principales miembros del Monday Group, que tiene un firme control de la estética modernista en Suecia, y “Me sorprendió porque de repente perdí toda conexión con la música dentro de mí. No pude evitar esta crianza. Yo entendía estas cosas, también estaba muy interesado en la música electroacústica. Pero al mismo tiempo sabía que no podía ser. Así que fui en busca de mi ›alfabeto musical‹.«

A principios de la década de XNUMX, Eliasson encontró la base desde la cual podía moverse musicalmente. Es notable que su música no se pueda asignar estilísticamente; sí, cuanto más intensamente uno la trata, menos. Las cuestiones de estilo no importan. Entregarse a tales ideas sería preguntarle a otra persona qué hacer. Y, por supuesto, a menudo he experimentado eso: cuando traté de imponer mi voluntad sobre la música, siempre fue un desastre.«

¿Qué es el 'alfabeto musical' de Eliasson? “No es nada especial, es absolutamente simple y es el punto de partida para todo. Modos tan simples como: dfhchfd, una especie de modo lidio; y: deabaed, un modo dórico típico. Horizontal y verticalmente. Ambos modos están muy relacionados; fácil de cambiar de uno a otro. Para mí no es ni lidia ni dórica, y en ningún otro compuesto hay tantas posibilidades.

No conozco ninguno que tenga tanto espacio, conduce directamente al infinito. Se basa en una fuerte limitación. Sin embargo, si entras en él y tratas de explotarlo, es absolutamente ilimitado. Cuanto más simple es la base, más diverso es el desarrollo posible. Por otro lado, cuanto más complicado es un sistema, más limitado es al mismo tiempo. Es una paradoja. El sistema tonal puede desviarse mucho de su base, pero aun así siempre está relacionado con la base.«

Las composiciones que Eliasson ha estado creando desde principios de la década de XNUMX son en su mayoría instrumentales: cuatro sinfonías (la segunda inconclusa) y otras piezas sinfónicas; Conciertos solistas para violín, clarinete, saxofón alto (para John-Edward Kelly), clarinete bajo, trombón, violín y piano, fagot, trompa, trompeta (con conjunto de percusión); varias obras para orquesta de cuerdas; Composiciones para conjunto de cámara y música de cámara variada; también, con canto, el gran oratorio Dante Anarca sobre Dante y sus seis maestros; su obra más reciente Quo vadis?; el ascenso sinfónico Canto del vagabondo; el entorno de Tranströmer Breathing Room – julio, etc.

En general, su obra es uno de los pináculos centrales de la gran tradición sinfónica.
En una música tan sustanciosa como la de Eliasson, el tono es sólo el manto de un proceso de conciencia cincelado, altamente complejo y profundamente sentido. Los sonidos no revelan lo esencial, sino que se revela en la agrupación de la diversidad de apariencias en la conciencia del oyente en una experiencia convincentemente coherente. Esta música no vive del sonido, sino del sonido.

No abruma al oyente, que le dedica toda su atención, lo mantiene constantemente en suspenso, no le permite ningún tiempo de inactividad. Inmediatamente después de terminar la composición, preguntado cómo quedó su Cuarta Sinfonía, Eliasson dijo: »No toma prisioneros. Agarra el teléfono por el cuello y lo arrastra hasta el final.«
De hecho, Eliasson ha descubierto una nueva tonalidad (o mejor: un principio de tonalidad hasta ahora desconocido que expande el espacio hasta el infinito) que trasciende la dualidad de género y la unión inequívoca de notas clave del sistema mayor-menor. Es música de pura energía.

Debido a la armonía generada triangulatoria (cada tercio quinto es el pariente más cercano) es como una constante entre todos los mundos. Siempre está en contacto e interacción continua con los centros gravitatorios opuestos y nunca cede a la atracción de un centro en particular. Con certeza sonámbula, siempre sigue la trayectoria entre todos los atractores, como un acto ininterrumpido de liberación.

»El campo de fuerza emocional es el más importante: la verdad energética, el ser detrás de la apariencia de las cosas. La música no es algo físico, pero el sonido sí lo es. Por eso hoy en día hay tantos sonidos sin alma. El sonido está lejos de ser música. Los sonidos se pueden describir, categorizar. Solo puedes experimentar la música. Ella está incluso más allá de la simpatía y la antipatía. Está por encima, o se mueve más allá, del espacio y el tiempo. ¿Cómo podrías decirlo? Presencia atemporal, presencia infinita, siempre en paradojas, porque la realidad es incompatible con el pragmatismo del pensamiento. No todo el mundo entiende eso. Es difícil de entender".

Escuchando las tres obras de este CD es evidente que el estilo de Eliasson ha cambiado a lo largo de los años. Hay un largo camino desde la vehemencia y los extremos sonoros de Desert Point vía Ostácoli (que ya es una especie de clásico para la orquesta de cuerda hoy en día) hasta la amplia intimidad de la Sinfonia per archi, que describe un inmenso y finamente tejido arco de tensión. Es impredecible lo que vendrá después. Porque cada pieza es su propio ser, tiene sus propios requisitos. ¿Cómo es el proceso de composición?

“Una pieza siempre es más personal al principio que al final. Porque solo intento seguir el desarrollo de la música, que es un proceso objetivo. Me muevo bajo la piel de la música, por así decirlo. Donde se mueva depende de ella, no de mí. No soy yo el que llega a su fin. Es la música en sí misma, y ​​estoy tratando de mantener mis dedos afuera".

La intensidad del proceso musical en la música de Eliasson es única. Probablemente tenga algo que ver con el hecho de que no habla de sí mismo, sino que resuena con fuerzas que son más grandes que los humanos. »¿Quiénes somos en el cosmos? Incluso 'granos de arena' es una exageración extrema. Pero tal vez uno u otro logre, dadas las habilidades técnicas y la apertura mental, ser receptivo a energías e inteligencias inimaginables en nuestro pequeño mundo, y manifestarlas aquí.«

Christopher Schlüren