Anders Eliasson: Desert Point ∙ Ostácoli ∙ Sinfonia per archi

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Artículo NEOS10813 Categoría:
Publicado el: 10 de octubre de 2008

Texto de información:

"ELLA NO TOMA PRISIONEROS"
Anders Eliasson y el arte de la presencia infinita

“La música era mi única forma de sobrevivir en este mundo.” De niño, Anders Eliasson formó una orquesta con sus soldados de juguete, se sentó frente a ellos y cantó, imitando las voces de los instrumentos. La primera música que puede recordar es "mi propio canto". A la edad de nueve años le regalaron una trompeta, fue entrenado por músicos de jazz experimentados y pronto fue el líder de su propia banda, compuesta por dos clarinetes, trombón, batería, guitarra y trompeta. A los catorce años recibió lecciones de armonía y contrapunto. 'Pero no fue mucha suerte en el resto de mi vida en ese momento. Sufrí increíblemente. Cuando tenía dieciséis o diecisiete años, me enfermé mucho. Tuve que ir al hospital: psicosis.«

Dos años después, Eliasson está en Estocolmo, donde encuentra a su mentor en Valdemar Söderholm: »Me mostró el camino. Estudié contrapunto con él durante cinco años. Bach, Bach, Bach, la energía más alta con la que puedes entrar en contacto.” También compone al mismo tiempo, pero “eso no era nada: 'Teatro Musical', 'Música Cinética', y me familiaricé con la estética de la clásicos y los modernistas. Muchos intentos idiotas, pero tenía que conocerlo, acostumbrarme, saber lo que estaba haciendo.«

Luego se une a la clase de composición de Ingvar Lidholm, uno de los principales miembros del Monday Group, que tiene un firme control de la estética modernista en Suecia, y “Me sorprendió porque de repente perdí toda conexión con la música dentro de mí. No pude evitar esta crianza. Yo entendía estas cosas, también estaba muy interesado en la música electroacústica. Pero al mismo tiempo sabía que no podía ser. Así que fui en busca de mi ›alfabeto musical‹.«

A principios de la década de XNUMX, Eliasson encontró la base desde la cual podía moverse musicalmente. Es notable que su música no se pueda asignar estilísticamente; sí, cuanto más intensamente uno la trata, menos. Las cuestiones de estilo no importan. Entregarse a tales ideas sería preguntarle a otra persona qué hacer. Y, por supuesto, a menudo he experimentado eso: cuando traté de imponer mi voluntad sobre la música, siempre fue un desastre.«

¿Qué es el 'alfabeto musical' de Eliasson? “No es nada especial, es absolutamente simple y es el punto de partida para todo. Modos tan simples como: dfhchfd, una especie de modo lidio; y: deabaed, un modo dórico típico. Horizontal y verticalmente. Ambos modos están muy relacionados; fácil de cambiar de uno a otro. Para mí no es ni lidia ni dórica, y en ningún otro compuesto hay tantas posibilidades.

No conozco ninguno que tenga tanto espacio, conduce directamente al infinito. Se basa en una fuerte limitación. Sin embargo, si entras en él y tratas de explotarlo, es absolutamente ilimitado. Cuanto más simple es la base, más diverso es el desarrollo posible. Por otro lado, cuanto más complicado es un sistema, más limitado es al mismo tiempo. Es una paradoja. El sistema tonal puede desviarse mucho de su base, pero aun así siempre está relacionado con la base.«

Las composiciones que Eliasson ha estado creando desde principios de la década de XNUMX son en su mayoría instrumentales: cuatro sinfonías (la segunda inconclusa) y otras piezas sinfónicas; Conciertos solistas para violín, clarinete, saxofón alto (para John-Edward Kelly), clarinete bajo, trombón, violín y piano, fagot, trompa, trompeta (con conjunto de percusión); varias obras para orquesta de cuerdas; Composiciones para conjunto de cámara y música de cámara variada; también, con canto, el gran oratorio Dante Anarca sobre Dante y sus seis maestros; su obra más reciente Quo vadis?; el ascenso sinfónico Canto del vagabondo; el entorno de Tranströmer Breathing Room – julio, etc.

En general, su obra es uno de los pináculos centrales de la gran tradición sinfónica.
En una música tan sustanciosa como la de Eliasson, el tono es sólo el manto de un proceso de conciencia cincelado, altamente complejo y profundamente sentido. Los sonidos no revelan lo esencial, sino que se revela en la agrupación de la diversidad de apariencias en la conciencia del oyente en una experiencia convincentemente coherente. Esta música no vive del sonido, sino del sonido.

No abruma al oyente, que le dedica toda su atención, lo mantiene constantemente en suspenso, no le permite ningún tiempo de inactividad. Inmediatamente después de terminar la composición, preguntado cómo quedó su Cuarta Sinfonía, Eliasson dijo: »No toma prisioneros. Agarra el teléfono por el cuello y lo arrastra hasta el final.«
De hecho, Eliasson ha descubierto una nueva tonalidad (o mejor: un principio de tonalidad hasta ahora desconocido que expande el espacio hasta el infinito) que trasciende la dualidad de género y la unión inequívoca de notas clave del sistema mayor-menor. Es música de pura energía.

Debido a la armonía generada triangulatoria (cada tercio quinto es el pariente más cercano) es como una constante entre todos los mundos. Siempre está en contacto e interacción continua con los centros gravitatorios opuestos y nunca cede a la atracción de un centro en particular. Con certeza sonámbula, siempre sigue la trayectoria entre todos los atractores, como un acto ininterrumpido de liberación.

»El campo de fuerza emocional es el más importante: la verdad energética, el ser detrás de la apariencia de las cosas. La música no es algo físico, pero el sonido sí lo es. Por eso hoy en día hay tantos sonidos sin alma. El sonido está lejos de ser música. Los sonidos se pueden describir, categorizar. Solo puedes experimentar la música. Ella está incluso más allá de la simpatía y la antipatía. Está por encima, o se mueve más allá, del espacio y el tiempo. ¿Cómo podrías decirlo? Presencia atemporal, presencia infinita, siempre en paradojas, porque la realidad es incompatible con el pragmatismo del pensamiento. No todo el mundo entiende eso. Es difícil de entender".

Escuchando las tres obras de este CD es evidente que el estilo de Eliasson ha cambiado a lo largo de los años. Hay un largo camino desde la vehemencia y los extremos sonoros de Desert Point vía Ostácoli (que ya es una especie de clásico para la orquesta de cuerda hoy en día) hasta la amplia intimidad de la Sinfonia per archi, que describe un inmenso y finamente tejido arco de tensión. Es impredecible lo que vendrá después. Porque cada pieza es su propio ser, tiene sus propios requisitos. ¿Cómo es el proceso de composición?

“Una pieza siempre es más personal al principio que al final. Porque solo intento seguir el desarrollo de la música, que es un proceso objetivo. Me muevo bajo la piel de la música, por así decirlo. Donde se mueva depende de ella, no de mí. No soy yo el que llega a su fin. Es la música en sí misma, y ​​estoy tratando de mantener mis dedos afuera".

La intensidad del proceso musical en la música de Eliasson es única. Probablemente tenga algo que ver con el hecho de que no habla de sí mismo, sino que resuena con fuerzas que son más grandes que los humanos. »¿Quiénes somos en el cosmos? Incluso 'granos de arena' es una exageración extrema. Pero tal vez uno u otro logre, dadas las habilidades técnicas y la apertura mental, ser receptivo a energías e inteligencias inimaginables en nuestro pequeño mundo, y manifestarlas aquí.«

Christopher Schlüren

Programa:

[ 01 ] Punto del desierto (1981)

[ 02 ] Ostacoli (1987)

[03 05-] Sinfonía por archi (2001)

Orquesta de Cámara Arcos
Violín I: Elissa Cassini (directora de concierto) ∙ Andrew Eng ∙ Joe Puglia ∙ Shaw Pong Liu ∙ Megumi Stohs
Violín II: Jennifer Curtis (principal) ∙ Keats Dieffenbach ∙ William Harvey ∙ Ana Milosavljevic ∙ Marc Uys
Viola: Margaret Dyer (directora) ∙ Jason Fisher ∙ Stephanie Fong ∙ Todd Low
Violonchelo: Dane Johansen (principal) ∙ Samsun van Loon ∙ Jeremiah Shaw
Contrabajo: Thomas van Dyck (principal) ∙ George Anthony Flynt

Juan Eduardo Kelly, conductor

Reseñas de prensa:


noviembre/diciembre de 2009

Sinfonía para cuerdas – Ostácoli – Desert Point 

Anders Eliasson forma parte de un grupo de compositores europeos, en su mayoría escandinavos, que continúan operando al frente de la música sinfónica a gran escala. Ha escrito muchos conciertos, cuatro sinfonías y varias piezas para orquesta de cuerdas. Tres de estos últimos se pueden escuchar en este lanzamiento: Desert Point (1981) y Ostácoli (1987) en un solo movimiento, y Symphony for Strings (2001), una obra de 38 minutos en tres movimientos conectados.

La música de Eliasson tiene menos que ver con el proceso que con el estado de ánimo. Utilizando un sistema armónico polimodal denso, crea un ciclo continuo de tensión y liberación, generalmente con una tensión melancólica. Se podría decir que es un Allan Pettersson moderado. Su escritura polifónica para cuerdas (más notable en el extenso primer movimiento de la Sinfonia) expande y desarrolla una tradición establecida por Bartók en su Música para cuerdas, percusión y celesta, una obra que resulta ser más influyente que nunca en la música contemporánea. Como varios compositores de su generación, Eliasson compuso en un lenguaje serial restrictivo hasta que adoptó una tonalidad compleja. Sin embargo, Schoenberg también es una influencia; las largas líneas temáticas dentro de densas texturas de cuerdas son un reflejo disonante del sonido y el alma de Transfigured Night.

Los primeros trabajos de este disco sugieren el trasfondo vanguardista de Eliasson, con una mayor variedad tímbrica en la escritura de las cuerdas y repentinos cambios de humor, mientras que la Sinfonía está abrumadoramente preocupada por el desarrollo orgánico. El viaje a través del anhelo de la Sinfonía, el primer movimiento elevado a través del inquieto segundo hasta una resolución más suave pero aún problemática en el tercero, es prolongado e intenso, pero finalmente satisfactorio. Sencillamente, esta es una obra importante. No se puede negar que se necesitan varias pruebas para familiarizarse con el terreno musical, en parte porque el ritmo y el pulso juegan un papel insignificante en el argumento.

El compositor era nuevo para mí cuando recibí este CD, y mi actitud hacia este programa ha cambiado con cada escucha: al principio encontré las primeras obras duras y la Sinfonía más envolvente, pero luego la tensión y variedad de las piezas más cortas (particularmente Ostácoli) funcionó como un contraste refrescante a la intensidad emocional de la obra más larga: un chorro de agua fría nórdica después de una noche ansiosa e insomne.

Aunque este lanzamiento es de una compañía española, la Orquesta de Cámara Arcos tiene su sede en Nueva York. Muestra los más altos estándares de conjunto, comprensión y compromiso con la música, sacando todas las luces y sombras posibles bajo la guía segura de John-Edward Kelly. (Kelly es un solista de saxofón clásico de renombre mundial que se ha dedicado cada vez más a la dirección; el Concierto para saxofón de Eliasson fue escrito para él). Los músicos están grabados de cerca pero con un ambiente agradable y una clara separación de las secciones orquestales. (No he escuchado la versión SACD de cinco canales, pero suena excelente en estéreo).

El folleto del CD indica que esta es la primera grabación de Sinfonia. Tal como se grabó el año pasado, su afirmación es incorrecta: la compañía de cpo entrante lanzó una grabación de 2006 de la RSO sueca bajo la dirección de Johannes Gustavsson (revisada en Fanfare 32:5). Tenía curiosidad por saber qué tan diferente sonaría la Sinfonia con las cuerdas completas, así que compré una copia. Como se anticipó, la sección de cuerdas de la orquesta sueca produce un colchón de sonido más suave, reforzado por una grabación distante y reverberante. Esto ciertamente suaviza la intensidad de la obra, pero las fuerzas de Arcos separan los hilos contrapuntísticos más claramente y hacen más contrastes. Un ejemplo es un pasaje en el segundo movimiento, donde el violín solo se enfrenta a un acompañamiento entrecortado de las cuerdas inferiores. Con la gran orquesta, se registra como un adelgazamiento de la textura masiva, mientras que los músicos de cámara agregan una ligereza de toque y una sutil cualidad similar a la danza.

Definitivamente prefiero los Arcos con matices agudos, pero las cosas se complican por los acoplamientos: la cpo Sinfonia viene con el Concierto para violín, piano y orquesta de Eliasson, otra obra reciente y significativa que estoy encantada de haber descubierto. Por esa razón, ambos discos son igualmente y seriamente recomendados.

felipe scott

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