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DOMENICO SCARLATTI Y LA EDAD MODERNA DEL CLAVÍCORD Domenico Scarlatti ciertamente puede considerarse como un caso singular en la historia de la música en un aspecto: en la estructuración de toda su obra en un primer período de composiciones vocales, óperas y oratorios (todos compuestos en Italia) y un segundo período de obras para clavecín, compuesto a partir de alrededor de 1738, el año de publicación del 30 Ejercicios en la Península Ibérica. Se sabe que Scarlatti estuvo al servicio de María Bárbara de Portugal. Se puede decir con certeza que debió ser un verdadero virtuoso del clavecín antes de eso, porque el movimiento de sus composiciones para clavecín (todas ellas llamadas sonatas) atestigua su instinto infalible para las características especiales del instrumento. Alguien que escribió tan idiomáticamente para el clavicémbalo debe haberlo dominado como intérprete, ciertamente desde una edad temprana. También se han conservado declaraciones correspondientes de sus contemporáneos sobre su forma de tocar el clavicémbalo. Sin embargo, el hecho de que recién comenzara a componer para este instrumento en la segunda etapa de su vida nos deja algo perplejos. Cierto, Maria Bárbara podría haber estado pidiendo más y más piezas, y Scarlatti cumplió. Esto puede haber estimulado su imaginación a ideas siempre nuevas, pero el hecho de que no quisiera recurrir a "su" instrumento en Italia sigue siendo extraño. Según el catálogo de Kirkpatrick, 555 sonatas son el legado compositivo de Scarlatti para el clavicémbalo. Cualquiera que haya tenido que elegir alguna vez una, dos o tres piezas de este enorme compendio conoce la dificultad de tener que elegir una u otra. Porque la riqueza de ideas, la alegría de tocar, el virtuosismo, la dureza del idioma español o la habilidad para el canto no facilitan al ejecutante la toma de decisiones por determinadas piezas. ¡Scarlatti siempre te deja con ganas de más! Los cuatro compositores de los siglos XX y XXI que acompañan a Domenico Scarlatti en este programa no pueden ser más diferentes entre sí: Richard Strauss como posromántico, Isang Yun con su fascinante dureza tonal, Jukka Tiensuu como antípoda moderna de Scarlatti en su dos cualidades como clavecinista y compositor a la vez, y finalmente Minas Borboudakis, cuyo enérgico ritmo parece hecho para el clavecín. Estos cuatro compositores utilizan las sonatas de Scarlatti como puentes entre sí, de forma similar a los movimientos Promenade en la obra de Mussorgsky. fotos de una exposicion. Las dos sonatas en Fa mayor K 205 y 296 en esta combinación forman dos elementos contrastantes, como lo son en la pieza de Isang Yun compuesta en 1966 shao yang yin proporciona: »shao yang yin, el título chino de la composición, sugiere pensar en los grandes opuestos complementarios ('Yang Yin') de la enseñanza taoísta. Sin embargo, la adición ›Shao‹ (= pequeño, ligero) deja claro que aquí los contrastes de la vida cotidiana (estados de ánimo, condiciones, secuencias temporales) se trasladan al musical”, dice el compositor en el prólogo de la primera edición. Como tantas otras obras del siglo XX, esta fue un encargo de la mecenas y clavecinista suiza Antoinette Vischer. En el período previo a su trabajo, Yun le escribió a Vischer: »Conozco […] el instrumento demasiado poco« (ver el prólogo de Edith Picht-Axenfeld / Walter-Wolfgang Sparrer a la nueva edición). Eso también parece ser algo bueno, porque Yun prescinde por completo del tratamiento del instrumento como un instrumento rítmicamente distintivo pero uniformemente suave, que era común en el siglo XX. Lo que parece estar "en contra" de la naturaleza del instrumento, a saber, la falta de rigor rítmico, resulta ser un fascinante golpe de suerte: la música se separa de sus predecesores compositivos, especialmente los del siglo XX, prescinde de todo ". neobarroco" y gana con ello en la independencia. El lado galante de Richard Strauss se encuentra a menudo en su obra: en caballero de la rosa, Im Don Quijoteen el burleske y Don Juan, por citar sólo algunos ejemplos. Por lo tanto, no es de extrañar que en 1923 recibiera una Suite de danza basada en piezas para piano de Couperin para orquesta, música que ciertamente correspondía a los rasgos galantes de los suyos. El propio François Couperin fue quizás el maestro del clavecín más respetado en Francia en un momento en que Scarlatti disfrutaba de una reputación similar en el sur de Europa. El Sonata K 114 se caracteriza por una extravagancia especial y un espíritu innovador y es sin duda una de las obras más audaces de Scarlatti. La suite de Strauss no fue concebida originalmente como una pieza solista para clavecín: las tres danzas, Passepied, Gigue y Tempo di Gavotta, están escritas para violín, violonchelo y clavecín como música incidental para la ópera. Capriccio destinado. La clavecinista del estreno en Viena de la ópera, Isolde Ahlgrimm, recomendó a Strauss que interpretara estos tres bailes en su serie »Conciertos para conocedores y amantes«. Ahlgrimm le dijo al compositor que no tocaba música de cámara, a lo que él respondió que podía tocar la suite sola. Cuando ella comentó que esto no tenía un final adecuado, Strauss le aseguró que escribiría uno para él (ver Dr. Rudolf Scholz, prefacio a la edición, Schott Verlag). La transcripción de las danzas para clavicémbalo solo se la debemos a Isolde Ahlgrimm, mientras que la cadencia final fue compuesta originalmente para esta versión por Richard Strauss. En sus estudios, Jukka Tiensuu combina ingenio y profundo conocimiento del clavicémbalo del instrumento. Esto último no es sorprendente, dado que Tiensuu es un fabuloso clavicémbalo, que domina las obras más difíciles de la literatura (Xenakis, Sciarrino) como ningún otro. En los Estudios prescinde de los diferentes estados de ánimo de los registros, como hace en sus aficionado al tango prescribe Similar a los Estudios de Chopin, cada una de las piezas trata un problema técnico específico. La similitud de los títulos y el orden rápido-lento-rápido crean el marco dramatúrgico. la locomotora en Presión en corre sin control y, sin embargo, algo patéticamente debido a su propio "destino" en dirección a la meta. Un freno brusco la detiene justo antes de que pueda rebasar el objetivo. grano (Körner) es, casi no se oye, la más compleja de las tres piezas. Es una estructura compuesta por varios segmentos rítmicamente muy diferentes. Las repeticiones de tonos individuales o las combinaciones de tonos siempre suenan en el mismo motivo rítmico. Las demandas que se imponen al jugador para la escritura de partes independientes no tienen paralelo. drenar después de todo, es un estudio de tour de force que Scarlatti sin duda habría disfrutado. Cascadas de notas para tocar extremadamente rápido, interrumpidas por breves pasajes repetitivos y acordes, se acumulan en grupos de sonido o corren por todo el teclado. Qué alivio para el jugador cuando, después de casi dos minutos, los tres de profundidad H ' ¡ser alcanzado! Los que preceden a los Estudios de Tiensuu Sonatas K 516 y 517 son un ejemplo típico del acoplamiento de Scarlatti de dos piezas en la misma tonalidad en el orden lento-rápido. Como todas las piezas de la obra tardía, se caracterizan por una extrema reducción y concentración de medios. Se mantiene completamente diferente Sonata en do menor K 115. No solo los exuberantes acordes disonantes son característicos de este período creativo, el idioma español es particularmente evidente. Así que era lógico tener tal pieza del Homenaje a Picasso, que Minas Borboudakis escribió para mí en 2003. Borboudakis se inspiró para su pieza en la pintura »Guernica«. La ciudad vasca de Guernica fue completamente destruida por las fuerzas aéreas alemanas e italianas en 1937. Picasso creó entonces un cuadro complejo y enorme. El hecho de que en él aparezca el toro o Minotauro, tan importante para el pintor, no debería ser irrelevante para Borboudakis: el compositor, procedente de la isla de Creta, incorpora a menudo a su obra ideas antiguas griegas y el legado de la cultura minoica. . Una criatura mitad toro, mitad hombre, el Minotauro representa la crueldad, pero no tiene la culpa de haber sido creado. Es una brutalidad creada por humanos y, según la leyenda, solo puede ser deshecha por manos humanas. La música de Borboudakis también es brutal e inflexible en este caso. El rigor del ritmo está escrito específicamente para el instrumento. La música vaga inquieta, atrapada en su desesperanza. Los breves momentos líricos de la sección central no quieren crear belleza, están moldeados por el miedo. Al final de la pieza, se supone que el clavicordio, amplificado electrónicamente, aumenta el volumen hasta el absurdo. andres skouras Programa:
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