Texto de información:
Elliott Carter - Concierto para violonchelo El director de orquesta inglés Oliver Knussen ve a Elliott Carter como "el dramaturgo musical contemporáneo más importante en el campo de la composición instrumental". Para sus partituras, Elliott Carter crea auténticos escenarios en los que los instrumentistas actúan como personajes individuales. En su Concierto para violonchelo de 2001, también trata al solista, así como a los músicos individuales de la orquesta, como protagonistas independientes. Las composiciones de Elliott Carter son métricamente complejas y laberínticas, impresionan por su densidad estructural y su asombroso virtuosismo, y son reconocibles las influencias del neoclasicismo y la técnica dodecafónica de Schönberg. Los procesos musicales a menudo ocurren simultáneamente y conducen a contrastes violentos. A pesar de toda su complejidad, su música sigue principios compositivos básicos claros: los pulsos simples dan como resultado una red rítmica comprimida de relaciones conocida como "modulación métrica" a través de capas sofisticadas, las líneas melódicas se basan en esquemas de intervalos, las progresiones armónicas tienen lugar en ritmos claramente definidos. unidades. El solista abre el concierto para violonchelo con una cadencia solista. Ya contiene material motívico que volverá en el transcurso del movimiento. Aunque el concierto de 20 minutos transcurre en un flujo continuo, se reconocen siete secciones que se diferencian claramente entre sí por su movimiento característico. Están vinculados por episodios más cortos que motivacionalmente se refieren a la Allegro fantástico anticipar la final. Dramático, la primera sección, ofrece el mayor contraste posible en la sintaxis desde el principio. Con latigazos, todos los instrumentos orquestales caen juntos en un tosco fortísimo en el monólogo del violonchelo, que inicialmente comienza frágil y dentado y luego pasa a uno más indulgente y melódico tranquilo. Tras esta dura acentuación rítmica en conjunto, la orquesta actúa en el siguiente Allegro apasionado-Compartir ya no como una fuerza tutti agrupada, sino en forma de abanico. El giocoso El tercer movimiento consiste en un delicado dúo entre violonchelo y percusión. Así se desarrolla un juego de más de 50 compases con la instrumentación más económica y gestos en un sonido distintivo. En el centro hay un lento, en el que el violonchelo guarda silencio durante unos compases por primera vez, solo para comenzar una línea amplia en el registro bajo. En este movimiento lento con sus melos de violonchelo y largas ligaduras, el acompañamiento tonalmente matizado, similar a la música de cámara, muestra una vez más el gran arte de orquestación de Elliott Carter. Lo siguiente después de una breve transición. Maestoso-La parte trae un diálogo entre el instrumento solista y los metales, que crean un contrapeso efectivo con acordes acentuados. El penúltimo movimiento cautiva con la inusual belleza del sonido, Calma. El violonchelo patea meditación y legado y con ricas armonías que aparecen en el registro alto, contrarrestadas por la interpretación profunda del clarinete bajo. Una vez más, Melos se deja exudar voluptuosamente. La frase final vuelve a tiempo primo atrás, al mismo tiempo parece significar un resumen de la obra. En este final, la orquesta se eleva para convertirse en la protagonista real con un aumento dramático de tutti, solo para dejar una vez más al violonchelo a su suerte. El concierto se desvanece como empezó: con un solista actuando solo. Susana Schmerda
Udo Zimmerman Casi se podría hablar de un »anti-concierto«: en contraste con el concierto solista habitual, en el que el solista se presenta como un diseñador individual para poder entablar un diálogo dramático con la orquesta, el experimentado compositor de ópera Udo Zimmermann traslada internamente este componente escénico. En él predominan los tonos suaves, y el comienzo no es solo el género musical más »privado«, sino también una canción que se susurra más que se canta. Cinco textos de diferente extensión y diferentes personajes se anteponen como un lema y quieren asociarse con la música (Ingeborg Bachmann: Canciones de una isla; Enrique Heine: Interludio lírico; Otra cosa Lasker-Schüler: reconciliación; Francisco de Asís: Indulceam ubi est culpa; Federico Hölderlin: Canción fatal de Hyperion). Al principio puedes cantar, pero luego la relación sonido-palabra se afloja e invita a buscar otros puntos de asociación, aperturas. Cada vez es más difícil; después de la cita de Schumann, que se puede entender palabra por palabra, se adentra cada vez más en la música, hay que estar atento a las capas expresivas, las sensibilidades, los momentos atmosféricos. Las palabras iniciales del poema de Else Lasker-Schüler aparecen al comienzo de la gran sección central canónica después de la primera cadencia del solista. Solo podemos especular a dónde pertenecen las palabras de Ingeborg Bachmann y Francisco de Asís, ¿quizás no o no solo a un lugar determinado? La cita de San Francisco hace referencia a la composición creada en 1992 Pax Questosa hin. Con despedida, luto, noche, desamparo, los textos giran en torno a temáticas afines; la música crea un fondo contra el cual las letras se destacan como comentarios. Vocalidad profundamente hundida caracteriza la estructura del concierto para violonchelo. Las voces no textuales "portadoras de texto" del pasaje canónico son los ejemplos más accesibles y ensayables. La música en su conjunto se caracteriza por el mismo estilo retórico, que se revela como generado por palabras: casi parece como si el compositor comenzara con una gradación casi sistemática de la palabra referencia. En este sentido, sería demasiado fácil hablar de canciones sin palabras desarrolladas polifónicamente, aunque solo sea porque, a diferencia de Mendelssohn, se incluyen ciertos textos. La afirmación de que esta música se presenta como accesible parece apuntar a su materialidad. Por ejemplo, pasajes enteros de los cánones superpuestos prescinden de alteraciones. ¿Dónde más existe esto en la música sofisticada de los últimos 200 años? No es diferente con Zimmermann, que está familiarizado con todas las técnicas compositivas de las últimas décadas, que con el Schönberg tardío tonal: lo que prescinde permanece presente como un contraste negativo, ayuda a definir y comprender el alcance estrecho que él se asegura de. Como si no quisiera salir de su capullo auto-tejido, permanece en la sonoridad La menor oscurecida y arcaicamente entonada, se compromete con los cánones a una auto-ejecución dogmáticamente pre-regulada, formalizadas compulsiones de repetición, pero también a una celebración de círculos hacia el interior. Aparte de las respectivas nuevas entradas en la estructura canónica, la música parece nadar difusamente, serpentear sin rumbo fijo. Es más probable que el oído encuentre eso canto firme Justo; pero su ritmo también cambia. El solista "habla" contra todo esto con las palabras sonoras y silenciosas de Else Lasker-Schüler, pero luego también cae presa del canon. Aquí lo viejo necesita lo nuevo y lo nuevo necesita lo viejo, uno no podría existir sin el otro.Quizás en la difícil búsqueda de estándares para la música recién compuesta deberíamos preguntarnos primero si, como esta, es capaz de transformarnos en forzar la escucha. pedro gulke |
Programa:
Elliot Carter (* 1908)
[ 01 ] Concierto para violonchelo (2001) 21:30
Udo Zimmerman [* 1943]
»Canciones de una isla« [ 2009 ] 17:39
Concierto para violonchelo con orquesta
[ 02 ] lloré en el sueño 3:04
[ 03 ] Reflexión (Ven una Cadenza) 2:22
[ 04 ] Reconciliación (quatuor canones et cantus firmus) 6:59
[ 05 ] Aufbruch 2:46
[ 06 ] Memoria 2:29
tiempo total: 39:19
Jan Vogler, violonchelo
Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks
Kristjan Jarviconductor
Reseñas de prensa:
Reseña completa en Klassik.com
solo para unos pocos
El violonchelista Jan Vogler explora caminos que se alejan de la corriente principal con los conciertos para violonchelo de Elliott Carter y Udo Zimmermann. Pero aquí también usa su habilidad para abarcar arcos anchos y cantábiles de manera rentable. […] La complejidad de la música no es a expensas de la expresión o cantabile; no sin razón se refirió a Oliver
Knussen Carter como el dramaturgo musical más importante de la música instrumental. […] Juntos, los músicos se ponen profundamente al servicio de la música y cada uno abre sus propios mundos sonoros; de maneras muy diferentes, esta música es muy contemporánea y, sin embargo, no es realmente música del siglo XXI. La brillantez técnica y un folleto esclarecedor respaldan un tiempo de reproducción general bastante modesto (menos de 21 minutos), pero en general una producción extremadamente coherente y rentable.
Juergen Schaarwaechter
11/2012
03/2011
RECOMENDACIÓN
Calificación musical: 5
Puntuación técnica: 5
Valor del repertorio: 5
folleto: 5
Calificación general: 5
En 93, a la edad de 2001 años, Elliott Carter escribió un concierto para violonchelo de veinte minutos. La idea de grupos musicales cuya existencia no se basa en estar juntos sino en oponerse cayó en un terreno tan fértil en los Estados Unidos como el concepto de música que sigue siendo un organismo, pero cuyos miembros se mueven en diferentes direcciones en diferentes tempos
En el concierto para violonchelo, también, los músicos de la orquesta y el solista se comportan de manera protagónica. Este último comienza con una cadencia solista. Ya insinúa el material que caracteriza el movimiento de conciertos de composición completa. Independientemente del flujo continuo del juego, se pueden identificar siete escenas propias, conectadas por anticipaciones episódicas del «Allegro fantástico» final.
Los músicos sinfónicos de la Radio Bávara bajo la alentadora dirección del joven Kristjan Järvi cumplen la designación de carácter de la parte principal, "Drammatico", con agudos contrastes. Se unen al monólogo del violonchelo solista con latigazos de fortissimo.
La siguiente parte «Allegro appassionato» pasa por alto esa violencia tutti. El corazón del concierto es un delicado dúo entre el violonchelo solo, al que Jan Vogler (en el sentido de Goethe) insufla un alma hermosa, y la batería. Aquí, como en el siguiente «Lento», Carter se muestra como un maestro de los colores y olores orquestales.
La sección «Maestoso» involucra al solista en un diálogo que los metales de la orquesta entablan alegremente, antes de que el violonchelo vuelva a derramar sus seductores melos. El drama del concierto termina solo, como comenzó.
En 2009, Udo Zimmermann escribió un concierto para violonchelo y orquesta poco dramático, discreto e introspectivo. Su título, tomado de Ingeborg Bachmann, sugiere la idea poética: Canciones de una isla. "Lloré en mis sueños", canta angustiado el violonchelo al principio, "Soñé que estabas acostado en tu tumba". Perdió el yo lírico, casi sin habla con el dolor de la pérdida. La melancolía de Heine, convertida en canción por Schumann, salpicada de pausas.
"Al principio puedes cantar, pero luego la relación sonido-palabra se afloja y te pide que busques otros puntos de asociación, entradas", comentó Peter Gülke en el folleto del programa de Munich. El compositor ingresó cinco textos en su partitura, que fluyeron en su música como un trasfondo poético (de: Canciones de una isla de Ingeborg Bachmann, Lyric Intermezzo de Heinrich Heine; Else Lasker-Schüler: Reconciliación; Francisco de Asís: Indulceam ubi est culpa ; Friedrich Hölderlin: La canción del destino de Hyperion).
Las primeras líneas del poema de Lasker-Schüler preceden a la sección central canónica (después de la primera cadencia solista). Las palabras de Bachmann y St. Francis flotan como voces un tanto sin lugar sobre la pieza, que dura un buen cuarto de hora. Vogler, Järvi y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera se sumergen sutilmente en la calidad vocal inherente al trabajo circular.
lutz lesle
13.12.2010
Mejores grabaciones del año 2010 - Nuevo lanzamiento
¿Un disco con sólo 39 minutos de reproducción? Sí. Y no sólo creo que eso no es un problema, sino que me gusta. No hay razón para que en 2010 cualquier grabación sonora publicada deba medirse por lo cerca que se acerca a la (ahora) arbitraria marca de 80 minutos que el CD ha estandarizado. Ese límite prácticamente ha dejado de tener sentido. Los SACD sólo pueden contener unos 70 minutos en un disco. Pero los SACD con contenido de definición normal pueden contener hasta diez horas. Si los discos BluRay de solo audio se vuelven comunes, el límite es aún mayor (¿nos quejaremos entonces si la música de un disco no maximiza la capacidad de almacenamiento?), pero lo más probable es que la idea misma de “capacidad” sea vamos a ir, a medida que avanzamos hacia la transmisión, la descarga y los servidores de medios. La propaganda en el folleto de prensa que justifica el corto tiempo de juego ni siquiera entra en eso, pero es igual de correcta: “Consideramos apropiado no diluir el impacto de estas dos obras añadiendo ningún relleno, sólo para llegar a una obra mayor. Es hora de este SACD”.
He escrito sobre el concierto desde donde se grabó este CD aquí. El Concierto para violonchelo de Elliot Carter con su inquisitiva y confusa apertura de violonchelo solista —cortesía de Jan Vogler— está atravesado por punzadas de orquesta que son tan cortas como vigorosas, que luego se suavizan considerablemente a medida que viajan a través de las secciones orquestales una por una. La orquesta tiene un momento sorprendente que se aproxima al lirismo, la parte del violonchelo a menudo apenas se toca, chillando tímidamente como gatos en la noche con el corazón roto. Atípico para Carter, el trabajo serpenteante hace que sea difícil percibir cualquier propósito u objetivo musical, aunque el final tiene una sonrisa tímida que le da a Carter, incluso en su versión más moderna, ese toque humano del que carecen muchos de sus colegas modernistas. Por cierto: ¡Feliz cumpleaños Eliot!
Aún más intrigante en este disco es el Concierto para violonchelo de Udo Zimmermann "Songs from an Island", que tuvo su estreno mundial aquí, bajo la dirección de Kristjan Järvi y con Vogler. Zimmermann está a cargo de la serie Musica Viva, por lo que ver una composición suya en su 'propio' evento, aunque el primero en más de una década, no fue terriblemente sorprendente. Sin embargo, el trabajo en sí, su calidad y capacidad de escucha, es sorprendente. Comienza con largas y fragmentadas citas de "Lloré en un sueño" de Schumann (Dichterliebe, op.48) que permiten al violonchelo hacer lo que mejor sabe hacer: cantar. Si bien el violonchelo es casi incidental al concierto de Carter (cualquier instrumento, un dulcimer, por ejemplo, podría haber servido igualmente bien), aquí está estipulado por la música de Zimmermann. Se establece el propósito, el primo pequeño de la verdad, y la mente puede comenzar a captar y los oídos pueden emprender un viaje con el compositor. Zimmermann se esconde detrás de Schumann por la belleza; típico de la cobardía reflexiva de los compositores europeos modernos (ist) cuando se trata de consonancia musical. "¿Eso está permitido? ¿Es esto un Anti-Concierto? Sus notas en el concierto cuestionaron falsamente y postularon con entusiasmo. Pero mejor belleza y propósito bajo un pretexto que nada en absoluto, y eso es lo que obtenemos: el concierto es hermoso, incluso cuando se vuelve ocupado, ruidoso y enredado. A través de ideas y motivos perceptibles, a través del reconocimiento y la artesanía musical, Udo Zimmermann ha llegado, si no a la verdad, al menos a la realidad.
Premios y menciones:
13.12.2010
Mejores grabaciones del año 2010 - Nuevo lanzamiento
¿Un disco con sólo 39 minutos de reproducción? Sí. Y no sólo creo que eso no es un problema, sino que me gusta. No hay razón para que en 2010 cualquier grabación sonora publicada deba medirse por lo cerca que se acerca a la (ahora) arbitraria marca de 80 minutos que el CD ha estandarizado. Ese límite prácticamente ha dejado de tener sentido. Los SACD sólo pueden contener unos 70 minutos en un disco. Pero los SACD con contenido de definición normal pueden contener hasta diez horas. Si los discos BluRay de solo audio se vuelven comunes, el límite es aún mayor (¿nos quejaremos entonces si la música de un disco no maximiza la capacidad de almacenamiento?), pero lo más probable es que la idea misma de “capacidad” sea vamos a ir, a medida que avanzamos hacia la transmisión, la descarga y los servidores de medios. La propaganda en el folleto de prensa que justifica el corto tiempo de juego ni siquiera entra en eso, pero es igual de correcta: “Consideramos apropiado no diluir el impacto de estas dos obras añadiendo ningún relleno, sólo para llegar a una obra mayor. Es hora de este SACD”.
He escrito sobre el concierto desde donde se grabó este CD aquí. El Concierto para violonchelo de Elliot Carter con su inquisitiva y confusa apertura de violonchelo solista —cortesía de Jan Vogler— está atravesado por punzadas de orquesta que son tan cortas como vigorosas, que luego se suavizan considerablemente a medida que viajan a través de las secciones orquestales una por una. La orquesta tiene un momento sorprendente que se aproxima al lirismo, la parte del violonchelo a menudo apenas se toca, chillando tímidamente como gatos en la noche con el corazón roto. Atípico para Carter, el trabajo serpenteante hace que sea difícil percibir cualquier propósito u objetivo musical, aunque el final tiene una sonrisa tímida que le da a Carter, incluso en su versión más moderna, ese toque humano del que carecen muchos de sus colegas modernistas. Por cierto: ¡Feliz cumpleaños Eliot!
Aún más intrigante en este disco es el Concierto para violonchelo de Udo Zimmermann "Songs from an Island", que tuvo su estreno mundial aquí, bajo la dirección de Kristjan Järvi y con Vogler. Zimmermann está a cargo de la serie Musica Viva, por lo que ver una composición suya en su 'propio' evento, aunque el primero en más de una década, no fue terriblemente sorprendente. Sin embargo, el trabajo en sí, su calidad y capacidad de escucha, es sorprendente. Comienza con largas y fragmentadas citas de "Lloré en un sueño" de Schumann (Dichterliebe, op.48) que permiten al violonchelo hacer lo que mejor sabe hacer: cantar. Si bien el violonchelo es casi incidental al concierto de Carter (cualquier instrumento, un dulcimer, por ejemplo, podría haber servido igualmente bien), aquí está estipulado por la música de Zimmermann. Se establece el propósito, el primo pequeño de la verdad, y la mente puede comenzar a captar y los oídos pueden emprender un viaje con el compositor. Zimmermann se esconde detrás de Schumann por la belleza; típico de la cobardía reflexiva de los compositores europeos modernos (ist) cuando se trata de consonancia musical. "¿Eso está permitido? ¿Es esto un Anti-Concierto? Sus notas en el concierto cuestionaron falsamente y postularon con entusiasmo. Pero mejor belleza y propósito bajo un pretexto que nada en absoluto, y eso es lo que obtenemos: el concierto es hermoso, incluso cuando se vuelve ocupado, ruidoso y enredado. A través de ideas y motivos perceptibles, a través del reconocimiento y la artesanía musical, Udo Zimmermann ha llegado, si no a la verdad, al menos a la realidad.