Johann Sebastian Bach: Variaciones Goldberg

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JS BACH: VARIACIONES GOLDBERG BWV 988
Reflexiones sobre la obra y la interpretación.

Ya sea un trío de cuerdas, un clavicémbalo o un piano, las Variaciones Goldberg no pueden captarse con términos como "estilo de interpretación" o "fidelidad al original". Como es bien sabido, el carácter y el valor de una interpretación dependen sólo en una medida muy limitada de la cuestión de "según el estilo" o el "timbre" de los instrumentos elegidos, aunque a los críticos y a veces también a los musicólogos les gusta deleitarse en cuantificables. y, en última instancia, parámetros fácilmente comprensibles de dichos términos.

Cuestiones de sutilezas de articulación no notadas ni notables, el fraseo interno de tonos individuales o grupos de tonos más grandes, por ejemplo, la elección del tempo y el »rubato« interno con su típico »inégal«, el uso de técnicas de ejecución específicas y, en última instancia, el la imaginación artística de los intérpretes siempre actualiza la enseñanza de la ley y el mal, ciertamente no en el sentido de un argumento científico, pero mucho en el sentido y con el propósito de esa "excitación mental" que escribió JS Bach cuando publicó su Ejercicio de clave. , que consiste en un aria con varios cambios frente al clavicimbal con 2 manuales, que los entusiastas pueden haber tenido en mente para la emoción emocional.

La actualidad del monumental ejemplo de arte de variación barroco de Bach está garantizada en gran parte por la curiosidad de los intérpretes, que quieren llegar al fondo de sus secretos una y otra vez. Las Variaciones Goldberg ya se habían grabado unas cincuenta veces en 1985, es decir, cuando se publicó la primera transcripción para trío de cuerdas de Dmitry Sitkovetsky, aunque la mayoría de las grabaciones ya estaban agotadas o ya no estaban disponibles.

En el revelador estudio discográfico de Wolfgang Schreiber de 1985, solo le quedaban diecinueve grabaciones, y la gran mayoría de los intérpretes en ese momento habían dado preferencia al clavicémbalo en una proporción de 3:2. A diferencia del Arte de la fuga, por ejemplo, Bach claramente había concebido la obra para un clavicémbalo de dos manos. Desde la década de 1728, la relación entre los clavicémbalos y sus instrumentos comenzó a cambiar significativamente: los clavicémbalos originales antiguos se tocaban con más frecuencia, p. B. de Christian Zell (instrumento 1642, en el clavicémbalo: Alan Curtis) y Hans Ruckers (instrumento XNUMX, en el clavicémbalo: Christiane Jaccottet), o instrumentos históricos modernos como los de William Dowd (en el clavicémbalo: Gustav Leonhardt).

Sin embargo, la mayor resonancia concebible de todas las grabaciones se encontró en las dos grabaciones musical y pianísticamente soberanas, incluso agradables, del canadiense Glenn Gould de los años 1955 y 1981, tocadas en el moderno piano de cola de concierto. No es de extrañar entonces que Sitkovetsky compusiera su transcripción para trío de cuerdas »in memoriam Glenn Gould«, por así decirlo, y como tributo a las celebraciones del 300 aniversario de Bach. Incluso si el significado de las grabaciones de Gould ha sido puesto en perspectiva desde hace mucho tiempo por algunas de las grabaciones más recientes, algunas de las cuales son espectaculares, sin embargo han sido estilizadas como el epítome de una pretensión general de perfección artística, contra la cual el artista mortal común fatídicamente debe ser destrozado en pedazos.

Tal fatalismo existencial de la existencia artística encontró expresión literaria en la forma de la novela Der Untergeher de Thomas Bernhard, que hace que dos pianistas se desesperen de la "Perfección" de Gould y desarrolla una meditación ambivalente y trágicamente irónica sobre el genio, la locura, la desesperación, la enfermedad, la desgracia y la pregunta si es incluso deseable ser un genio artístico. Eso sigue sin respuesta aquí, al igual que la pregunta de cómo surgieron las Variaciones Goldberg, que los musicólogos todavía están desconcertados en la actualidad. Los expertos ni siquiera se ponen de acuerdo sobre el tema (aria), si realmente provino del propio Bach.

Lo cierto es que este tema se encuentra en forma de sarabanda en el segundo Clavierbüchlein para Anna Magdalena Bach de 1725, y que las ocho primeras notas graves del aria corresponden a las de la Chaconne avec 62 variaciones de George Frideric Handel. , publicado en 1733 fue publicado son idénticos. Pero quién se supone que inspiró a quién y qué es, al menos hasta hoy, especulación. La muy citada descripción en la biografía de Bach de Johann Nikolaus Forkel, según la cual se suponía que el cliente era el enviado ruso en el tribunal electoral de Sajonia en Dresde, el conde Hermann Carl von Keyserlingk, definitivamente pertenece al ámbito de las anécdotas, si no de las fábulas. .

Según información no verificable de dos hijos de Bach, Bach sufría de insomnio y, por lo tanto, con el fin de divertirse, encargó algunas piezas para piano "tan suaves y de carácter algo vivo" del padre Bach, que su clavecinista de la corte y alumno de Bach, Johann Gottlieb. Goldberg, actuó para él por la noche debería. Esta conciencia profundamente romántica del arte, según la cual la música se convierte en una cura milagrosa, que es capaz de curar o al menos aliviar la enfermedad romántica, que consiste en el duelo por la felicidad perdida o en la vana búsqueda de ella, apeló probablemente al gusto de El público romántico-Biedermeier de Forkel, sin embargo, difícilmente puede reconciliarse con la conciencia artística de Bach y su tiempo: para Bach, la música era una forma humana de alabar a Dios en primera instancia, también de glorificar al soberano secular y finalmente al espiritual o no. - servir a la edificación espiritual del practicante así como del oyente receptivo. Dado que la partitura no contiene una dedicatoria oficial al conde Keyserlingk y, además, no hay otra fuente para la versión de la génesis de Forkel, esta historia ahora apenas se toma en serio.

Por lo tanto, los análisis estructurales de la obra en sí parecen mucho más significativos, lo que una vez más saca a la luz una exuberante abundancia de cualidades dramatúrgicas, refinamiento estilístico y complejidades constructivas matemáticamente formales que nunca habría suficiente espacio para enumerar aquí, y mucho menos para interpretarlas. Sin embargo, es precisamente la interpretación con un trío de cuerdas lo que permite que estas estructuras complejas, así como la textura ya en gran parte tripartita de la obra, se hagan realidad de una manera muy escultórica y, por lo tanto, permite una escucha analítica y sensual sin tener que renunciar a un sonido armonizador y homogéneo. Sobre la base de la transcripción de Sitkovetsky, se incorporaron a la presente grabación elementos adicionales de la nueva edición de Bärenreiter Urtext Bach.

El uso extremadamente moderado del vibrato y el uso de tres raros instrumentos históricos originales de Jacobus Stainer en la afinación antigua no solo brindan una nueva calidad de sonido en el sentido de un primer enfoque de interpretación en la historia de la interpretación de esta obra maestra, sino que también transmiten a través de fricciones de disonancia agudizadas, así como la pura desnudez y pureza del tono barroco y su red armónica que componían y la modernidad atemporal en la obra de Bach, que sólo es capaz de irradiar esa armonía divina a través de una transparencia perfecta y sin adornos de la textura, que Bach siempre tenía en mente y que debe servir a los verdaderos "amantes de la excitación emocional".

Jürg Dähler EMAA
Máster Ejecutivo en Administración de las Artes Universidad de Zúrich

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