Marcela Pavia – Max E. Keller: Tonhalle Orchestra Zurich, David Zinman, Duo46, Trio Flair, Quadriga Bassoon Ensemble, W. Bärtschi, L. Cella, E. Flückiger, VJ Gloor, M. Gould, G. Kanasevich, P. Kleemola

Música de Marcela Pavía y Max E. Keller

A pesar de sus diferentes orígenes, la música de Marcela Pavia y Max E. Keller se caracteriza por una claridad de expresión intransigente, que no rehuye los cortes duros y los gestos agresivos, pero al mismo tiempo trabaja con timbres sutiles y de diseño innovador. Sin arbitrariedades no vinculantes: se trata de una necesidad interior y de la veracidad, a menudo articuladas en insistentes y penetrantes repeticiones con variaciones en desarrollo. Tabúes de las vanguardias, como evitar un pulso perceptible, son cuestionados o incluso tópicos.

Marcela Pavía

Excepto Nayla todas las obras de este CD fueron creadas recientemente como obras encargadas por los intérpretes que también las grabaron. Su lenguaje musical tiene una cosa en común: la exploración del timbre de diferentes maneras. Ciertas texturas se utilizan en términos de sonidos complejos y diversas manifestaciones de resonancia, lo que resulta en una mezcla de intervalos y campos espectrales. Esto a su vez produce una multitud de significados poéticos. El sonido genera forma tanto a nivel micro como macro.

A veces, los sonidos complejos crean un pulso regular, pueden incluso en un trabajo en solitario como Nayla emergen a medida que el tempo y la polifonía lineal crean un espectro único, lo que permite al oyente percibir ondas y bandas de vibración fenomenológicamente. Por otro lado, la resonancia, que evoca diferentes niveles de percepción, hace audible la concordancia o discrepancia entre la resonancia (los tonos que siguen sonando y se convierten así en el espectro) y el movimiento lineal. Otras similitudes características se refieren a la importancia gestual de los 'objetos sonoros', pero también a su significado como momento en tiempo real. El desarrollo formal suele ser en espiral, caracterizado por un fuerte movimiento rítmico, figuras sintácticas obsesivas y grupos de tonos recurrentes.

Flair está dedicado al trío Flair. Es un acrónimo derivado de las consonantes de los apellidos de los tres intérpretes (Flückiger/Läderach/Rütsche). La palabra admite muchas connotaciones diferentes, tanto en inglés como en alemán. Algunos van bien con el conjunto, como B. talento natural, talento, habilidad, estilo, apariencia o agudeza de percepción y juicio. En términos más generales, es la naturaleza flexible de la palabra lo que refleja el alma del trío.

Nayla es un nombre árabe antiguo con un sonido especial que evoca el nombre de una deidad antigua que viene de un lugar lejano. Tal y una plétora de otras imágenes de sombras emanan de este poderoso símbolo ancestral. Lisa Cella aceptó el desafío de una pieza obstinada que no deja respiro al intérprete y no le da al oyente la oportunidad de escapar de la vorágine de notas que gradualmente maduran en espectros.

por y adicional basado en la tercera estrofa del poema del mismo nombre de Gabriela Fantato. La composición está dedicada a Esther Flückiger, quien además de su gran talento musical, también sabe de qué trata el poema.

Los remitentes son bifurcanos. (dedicado al Dúo46) es también una metáfora de la relación dialéctica entre dos instrumentos (violín y guitarra) y de los propios intérpretes: la belleza sobrenatural de los armónicos de Matt Gould y la capacidad casi proverbial de Beth Schneider para modular dan lugar a una diálogos animados como sólo ella puede hacerlo.

La astucia de Banshee es la cuarta pieza de un ciclo cuya idea poética evoca a las hadas que habitan en las Islas Británicas. El tratamiento de la resonancia de diferentes formas es la característica técnica general de la obra dedicada a Patrik Kleemola. Es un homenaje a su talento musical y empatía.

amancay es el nombre de una flor argentina que crece en la Patagonia. La pieza recuerda los patrones rítmicos de la música folklórica para guitarra, entrelazándose constantemente con las líneas del clarinete. Dedicado a Matt Gould, es admirable cómo asume el constante desafío dialéctico del clarinetista Gleb Kanasevich con una tremenda sensibilidad rítmica.

Marcela Pavía

Max E.Keller

tenuto, battuto, brillante para orquesta sinfónica (2001)
El ritmo pulsante es un arquetipo en la música que la vanguardia ha desterrado hace mucho tiempo. Se volvió aún más decisivo en la música popular: el pulso también es esencial en el ›swing‹ ​​​​del jazz. tenuto, battuto, brillante no lo evita, sino que lo sitúa en el centro, en contraste con el sonido sostenido. El tenuto emerge en los registros extremos, avanza hacia el medio a medida que avanza la obra, pero siempre retrocede a las regiones periféricas. El contraprincipio pulsante se articula en patrones rítmicos que van desde un "coloreado" delicado y apenas audible de sonidos sostenidos hasta un tutti de sonido completo, a menudo en múltiples superposiciones. Ambos polos están diseñados con la mayor diferenciación estructural y tonal, por lo que la combinación de instrumentos también toma caminos inusuales. Un tercer elemento básico son los movimientos de carrera rápidos y ruidosos, que descienden inesperadamente como un rayo (fulmine) de la nada, sumergiendo repentinamente el evento en una luz diferente.

soliloquio para piano y electrónica en vivo (2006)
Hoy en día, una máquina se utiliza cada vez más como interlocutor del ser humano, y este es también el caso en soliloquio. Un pequeño dispositivo digital se coloca directamente en el piano de cola y es operado por el propio pianista, principalmente con dos pedales. El dispositivo cambia, deforma y repite lo que el pianista toca en el piano de cola, y el pianista a su vez interviene en esta transformación del sonido. El interlocutor informatizado del pianista está programado por el compositor, no puede responder libremente y, por lo tanto, es solo aparentemente un compañero, más bien un alter ego: Soliloquio. La parte del piano consta de unos pocos elementos básicos simples, que varían en constelaciones siempre nuevas y que la electrónica establece en una luz cambiante: una conversación circular y, sin embargo, cambiante sobre los mismos temas y preguntas.

cinco para cuarteto de fagot (2008)
¿Cómo puede un cuarteto al título cinco (cinco) vienen? La forma consta de cinco estructuras básicas que se repiten cinco veces como una secuencia. La estructura temporal superpuesta a esta forma consta de cinco duraciones diferentes. Sin embargo, esto solo describe la cuadrícula exterior de la música. Los cuatro fagotes actúan en su mayoría como un colectivo, reforzándose, multiplicándose en sonidos multifónicos, complementándose, expandiéndose, superponiéndose poderosamente; a un ritmo impetuoso, con un subidón nervioso, pero también con una gran calma. Y debido a que trabajan juntos tan intensamente, surge algo nuevo, de los cuatro por quinto.

trío fluido para violín, violonchelo y piano (2009)
Hay tres elementos muy diferentes que fluyen en el sentido más amplio: sonidos sostenidos, melodías de gran alcance y una frase repetida a menudo de la música suiza Ländler. Todos estos elementos son muy variados y superpuestos. Los tenuti comienzan a moverse, obtienen transformaciones rítmicas, se vuelven ruidosos. Las melodías dan saltos exaltados, reciben nuevos timbres, se atomizan en corridas frenéticas. La figura trivial de Ländler se vuelve demasiado larga, está provista de acentos oblicuos, se distorsiona en lo atonal. Ocasionalmente, aparecen contrafiguras cortas, a veces violentas, a partir de las cuales se forma el final improvisado, que conduce a otro mundo.

Max E.Keller