Niccolò Castiglioni: Altisonanza - Le favole di Esopo

»El prado no solo es hermoso...«

Niccolò Castiglioni pasó los últimos años de su vida en los Dolomitas. Desde Brixen, sus caminatas lo llevaron a través de prados y arroyos a la soledad de las regiones de las cumbres. Una vez le explicó al musicólogo Enzo Restagno al ver un pasto de montaña en flor que este prado no solo era "hermoso", sino que también era "bueno". Cuando hablaba de la suciedad de las grandes ciudades, el milanés no solo se refería a los ruidos que alejaba de su música.

El ritmo acelerado de los estilos y, en última instancia, su coexistencia despreocupada también le impidieron buscar una música cuya pureza original quisiera preservar. Es fácil imaginar todas sus obras, desde el serialismo interpretado libremente hasta las estructuras caóticas meticulosamente anotadas del Informal y las composiciones tardías, a veces neotonales, a menudo infantilmente simples, como paisajes montañosos compuestos. Son mensajes de un mundo intacto, donde la quietud y el aire limpio mejoran la percepción.

También la suite de orquesta Altisonanza (Sonido alto) respira el aire enrarecido de las altas montañas. Debe su transparencia inigualable a una pronunciada inclinación por los tonos altos. A Castiglioni le encantaba la aspereza amaderada del registro más alto del piano, el tintineo brillante de los címbalos pequeños, los contornos afilados como navajas de un tono de trompeta, el sonido de las voces de los niños, los flautines y las xilografías.

Y amaba el sonido de la naturaleza, el gorgoteo de un arroyo de montaña cristalino, como las flautas al comienzo del Altisonanza rastrear los sonidos ásperos de las piedras chocando entre sí y las voces de los pájaros no contaminados por ningún otro sonido. La orquesta se extiende por tres pianos de cola, colocados lo más separados posible, en un paisaje sonoro amplio, a menudo irregular.

Sobre todo en el episodio. Entrada eventos individuales llaman la atención sobre diferentes lugares. Los cantos de pájaros se alternan con cascadas de piano, los metales intervienen con fuertes staccatos y las cuerdas entonan una canción sencilla como si viniera de lejos. Solo en medio de la oración la acción se hunde en las profundidades por un corto tiempo. Los colores claros se desvanecen, lo que hace que la distancia al espacio libre parezca aún mayor.

El movimiento medio corto y solemne, de tonos oscuros, proporciona una simetría similar en la composición general. Sarabande. Castiglioni crea un intermezzo de ensueño contra el que se destaca aún más la claridad del movimiento final. En este mundo sonoro, escribe, uno debe “sumergir y disfrutarlo como una fresca mañana de invierno cuando uno se levanta temprano para lavarse la cara con agua fría”.

Périgordino, en realidad una antigua danza folclórica del Périgord, describe un despertar gradual, tal vez incluso una historia de creación, "como si el universo de los sonidos se acabara de crear y en este momento apenas tuviera más de diez minutos".

En el estilo tardío de Castiglioni, esta búsqueda de los orígenes incluye también una preferencia por la melodía sencilla de las canciones infantiles y populares. Con frecuencia dan forma a obras enteras, aquí sus fragmentos hablan de la añoranza de tiempos lejanos. Ya a principios de los XNUMX políticamente turbulentos, Castiglioni no se hacía ilusiones sobre un arte que sería capaz de desencadenar cambios sociales.

Tampoco creía ya en el progreso, lo que comentaba lacónicamente: »Se había calmado el tono de la vanguardia, lo que me permitía componer con menos fanatismo y más orden«. Sus contemporáneos desconfiaban del cambio. Con composiciones en parte neotonales, un compromiso con la piedad sencilla y la sencillez infantil, Castiglioni se apartó de la escena.

Incluso en Milán, donde ha enseñado composición desde 1977, sus obras rara vez se han representado. Su sencillez se malinterpretó como ingenuidad y se sospechó que había una regresión detrás de la búsqueda de la inocencia infantil. De hecho, era y es fácil etiquetar esta música como arte ingenuo y quizás incluso infantil. Incluso Castiglioni, cuando quería explicar sus composiciones a los alumnos, tomaba un trozo de papel blanco y dibujaba en él una pequeña casa con apenas unos trazos. Su letra también, según sus compañeros, se había vuelto más y más infantil a medida que envejecía.

La sencilla sabiduría de las fábulas de Esopo también encaja en esta cosmovisión. el oratorio Las historias de Esopo está, sin narrador ni solistas, concebida como una alternancia de movimientos corales y orquestales. Las cuatro fábulas de animales y un episodio sobre Hércules y Plutón están enmarcadas por un prólogo y un epílogo en homenaje al poeta griego Esopo. Hay una clara división estilística entre los mundos de los animales, los humanos y los dioses.

Mientras el lenguaje de los hombres y los dioses toca los límites de la tonalidad, Castiglioni utiliza los medios de la música contemporánea para describir las historias de animales. Transforma las fábulas morales humorísticas en una ópera bufa disfrazada. Por ejemplo, en la respuesta puntiaguda de la avispa, que en la primera fábula es señalada con desdén por una mariposa sobre su bajo pasado, no sólo suena su zumbido agresivo, sino que hasta se cree oír el aguijón.

Castiglioni también encuentra un equivalente bufonesco para el burro mudo de la segunda fábula en los trombones bajos y las voces masculinas al unísono. El mundo de los dioses y los hombres, por otro lado, suena sublime y sagrado, con el sonido de las campanas y el canto a capela, hasta el »gloria« del coro final, que celebra el ascenso del esclavo griego a un poeta. de genialidad sobre un paisaje sonoro de doce violines divididos en dos. Esopo fue un héroe en el sentido de Castiglioni, un artista que, como él mismo, nunca entró en el patetismo y buscó la verdad en historias pequeñas y sencillas.

martina seber

BR clásico
01.09.2014

Castiglioni luego combinó "Perigordino" con las dos piezas "Entrée" y "Sarabande" para formar el tríptico orquestal "Altisonanza", que concluye. Una mirada a la partitura muestra cuán ingeniosamente Castiglioni manejó los timbres. En las esquinas, vuelven a dominar los registros altos y los timbres brillantes, lo que se refuerza en "Perigordino" por el hecho de que faltan las cuerdas bajas y medias y solo se utilizan 24 violines. El movimiento se relaja como música de cámara, con figuras que se asemejan a cantos de pájaros que se escuchan repetidamente en los instrumentos de viento. Forman pequeños concertinos de a tres, también se escucha un largo solo de la celesta y –como extravagancia sin igual– un solo del triángulo. Hacia el final, todos los instrumentos se unen sucesivamente en un largo crescendo, y luego la pieza termina con un sonido de tutti rítmico y deslumbrantemente brillante en triple forte.
En "Perigordino", como en muchas otras obras de su etapa tardía, Castiglioni abre la puerta a un mundo mágico de sonidos que pocas veces se ha compuesto con tanta intensidad y pureza. El deseo utópico de volver a los manantiales y zambullirse en sus aguas claras y frescas, el deseo de capturar los sonidos de la naturaleza virgen y la serena gratitud ante sus bellezas, todos estos sentimientos y pensamientos teñidos de panteísmo tomaron forma convincente en el tardío Castiglioni. funciona Durante mucho tiempo recibió poca respuesta: era demasiado inconformista, y donde otros solo disertaban sobre el material, mostraba sentimientos humanos y sentimientos religiosos. Y ese tipo de cosas simplemente no se ajustaba a la tendencia. Esto cambió lentamente después de su muerte en 1996. György Ligeti, su colega de Darmstadt, nueve años mayor que él, declaró más tarde:
“Tenía un carácter maravilloso, ingenuo y excéntrico, y su música ha sido muy descuidada. Es realmente triste que haya muerto antes que yo. Haría todo lo posible para garantizar buenas interpretaciones de su música en cualquier parte del mundo”.
Y Claudio Abbado, que tenía casi su misma edad y había estudiado con él en Milán, le rindió homenaje con cálidas palabras: “Me quedo con el recuerdo de una persona extremadamente reservada, distinguida por una inteligencia extraordinaria, muy especial, que le hacía parece único”.
Mientras tanto, el descubrimiento de su música muy poco interpretada está progresando. En 2005, Ricordi Verlag publicó una publicación informativa sobre el compositor, y en 2012 el Festival de Música de Milán presentó una selección representativa de sus obras en su gran retrospectiva Castiglioni. También están sucediendo muchas cosas al norte de los Alpes. La presente grabación de "Perigordino" se realizó en WDR Colonia, y con directores como Arturo Tamayo, Tito Ceccherini o Emilio Pomàrico, que aún se puede escuchar aquí con la primera pieza del tríptico "Altisonanza", la música de Castiglioni encontró defensores, que no dejaré que se olviden. De todos modos, no perderá su frescura natural en el corto plazo.

Max Nyffeler

09/2011

14.07.2011

Niccolò Castiglioni (1932-1996) formó parte de la generación de compositores italianos de posguerra dominada por Berio, Maderna y Nono. Al igual que sus contemporáneos, tuvo que adaptarse a las doctrinas del serialismo de la posguerra y lo hizo de una manera que produjo una música maravillosamente refinada que conservaba la capacidad de encantar y entretener.

Esas cualidades son obvias en este par de obras de gran formato. A partir de la década de 1970, Castiglioni recortó su música, simplificando las texturas y haciendo más directos los gestos. el oratorio Le Favole di Esopo, de 1979, intercala cinco relatos corales de las fábulas de Esopo con sinfonías instrumentales que ilustran los relatos. Es una estructura simple, realizada en imágenes musicales precisas.

De manera similar, los Altisonanza, de 1992, está lleno de sonidos nítidos y claros, texturas cristalinas, figuración goteante y ecos del canto de los pájaros, presentando una impresión en tres movimientos de los Dolomitas donde Castiglioni vivió al final de su vida. Es toda música vigorizante que nunca desperdicia una nota.

andres clementes

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