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NEOCLÁSICO MODERNO Y CLÁSICO EXPRESIVO El nombre OTTO SIEGL (1896–1978) es solo marginalmente familiar para los apasionados cazadores de rarezas. Nacido en Graz, escribió en 1946 que tocaba ›mucha música de cámara, como la mayoría de los directores y compositores, principalmente la viola. […] En los últimos años he escrito mucha música de cámara. Desafortunadamente, las últimas obras importantes ya no pudieron publicarse. Pasará mucho tiempo antes de que puedan publicarse. No importa, no presiona. Mi música no está tan actualizada como para que no sea apropiada dentro de unos años.' Siegl fue alumno de Egon Kornauth (un epígono romántico tardío moderado) y Roderich von Mojsisowicz. En sus primeros años trabajó como músico de orquesta en Viena y como director en Graz, luego en Paderborn en Baja Sajonia, luego en la Academia de Música de Colonia, donde dirigió la orquesta universitaria desde 1942 hasta el final de la guerra. Después de la guerra, regresó a Graz y encontró su lugar de descanso final en Viena. El Sonata a dúo Op. 139 para viola y violonchelo fue escrito en 1945, probablemente para uso personal, durante un período creativo bastante productivo. A más tardar en los años que siguieron, su estilo definitivamente se consideró anticuado. Este híbrido atemporal de romanticismo tardío y neobarroco, que ignoraba todas las modas del momento, encontró poca simpatía por parte de la crítica en un momento en que maestros conocidos de una orientación comparable, como Heinz Schubert, Hans Brehme o Mark Lothar, casi no mostró ningún respeto. Tuvo que pasar más de medio siglo antes de que la diversidad tonal de esa época pudiera ser apreciada públicamente de manera razonablemente objetiva más allá de los frentes ideológicos. El Sonata a dúo es, como los cuartetos de cuerda de Siegl, un excelente ejemplo de música de cámara sofisticada que permanece completamente enraizada en la tonalidad tradicional y extrae su dinámica formativa de su atracción. Los movimientos vivaces y danzantes se ejecutan decididamente de acuerdo con los topoi barrocos, los movimientos solemnes están profundamente conectados con el posromanticismo melancólico que se desvanece. El ingenio armónico y la agilidad contrapuntística de Siegl son notables: sus obras bien podrían encontrar su lugar en la vida de concierto posideológica de hoy. La carrera de REBECA CLARKE (1886-1979) como extraordinario violista solista y talentoso compositor fue notablemente breve y, en ocasiones, muy brillante. El punto culminante de su carrera la marca Sonata para viola y piano de 1919, con la que obtuvo el segundo premio (después de la Sonata de Ernest Bloch) bajo seudónimo en un concurso de composición en Pittsfield (Massachusetts). Con esta sonata se ha asegurado un lugar permanente en el repertorio de violas de todo el mundo. Como virtuosa de la música de cámara itinerante, escribió las obras para sus propias actuaciones. En 1916 se mudó a los Estados Unidos, en 1924 volvió a Londres y con el estallido de la Segunda Guerra Mundial finalmente se instaló en el Nuevo Mundo. A los 2 años se casó con el pianista James Friskin, de la misma edad, ya partir de entonces paró casi por completo sus actividades musicales. Rebecca Clarke nunca superó los métodos de crianza marcial de su padre, y en años posteriores procesó su trauma en la autobiografía 'Yo también tuve un padre'. Canción de cuna y grotesco apareció por primera vez en un programa de concierto en el Aeolian Hall de Nueva York el 13 de febrero de 1918, interpretada por Rebecca Clarke y su compañera de violonchelo May Mukle. La pequeña obra fue creada no mucho antes, y respira ese cosmopolitismo elegante en el que las virtudes británicas y francesas entran en una conexión natural. Entre todos los compositores que tocaban la viola estaba PAUL HINDEMITE (1895-1963) el más famoso, poderoso e influyente. El repertorio para su instrumento es impensable hoy sin sus sustanciales aportes. En 1937 apareció impresa la primera parte teórica de las ›Instrucciones para la composición compositiva‹ de Hindemith. En él, el antiguo alumno de Arnold Mendelssohn escribe: »Quizás experimenté la transición de la educación conservadora a una nueva libertad más a fondo que nadie. Lo nuevo tenía que ser atravesado para que su exploración tuviera éxito; todos los que participaron en la conquista saben que ésta no fue ni inofensiva ni peligrosa. El conocimiento no se obtuvo en línea recta, ni procedió sin perturbaciones. Hoy me parece como si el campo se hubiera aclarado, como si el lenguaje secreto de los tonos se hubiera escuchado.« Hindemith comentó que en sus obras »la realización de las intenciones presentadas en este libro sobre la técnica de la composición compositiva« puede mejorar ser seguido. Por supuesto, esto también se aplica a las obras que se crearon unos años antes del final de ›Instruction‹. Cuando Hindemith grabó su música de cámara para ›His Master's Voice‹ con Szymon Goldberg y Emanuel Feuermann en Londres en enero de 1934, compuso esto la mañana antes de una grabación Duett para viola y violonchelo como relleno de huecos para la grabación. Sucedió tan rápido: »Desde mi punto de vista, el compositor debe ser completamente independiente de los dispositivos mecánicos de cualquier tipo. [...] Los músicos no componían tanto porque quisieran, sino porque la compulsión de componer es irresistible.« el berlinés GUNTER RAFAEL (1903–1960) estudió composición con Robert Kahn y Arnold Mendelssohn y pronto creó excelentes obras que fueron aclamadas por destacados músicos como el Busch Quartet y Wilhelm Furtwängler (estreno en 1926 del 1ra sinfonía en Leipzig) se realizaron. A partir de 1926, el propio Raphael trabajó como profesor de composición. En el Tercer Reich se le prohibió actuar como "medio judío" y contrajo tuberculosis, lo que lo debilitó por el resto de su corta vida. Después de la guerra solo consigue trabajos relativamente insignificantes. Algunos grandes músicos, como Sergiu Celibidache, que tocó con la Filarmónica de Berlín Raphael 4ra sinfonía Los artistas se interesan por su obra, pero las modas modernistas de la época eclipsan su obra. No fue hasta 1957, tres años antes de su muerte, que fue nombrado profesor de composición y profesor de música sacra en la Academia de Música de Colonia. Dejó una obra impresionante con grandes obras instrumentales y vocales (mucha música sacra) que aún hoy merece la pena descubrir. El Dúo para viola y violonchelo se creó en Meiningen en 1941, durante una época difícil de ›emigración interior‹. Por un lado, es un sentido homenaje a Bach, el gran maestro del contrapunto atemporal; por otro lado, es un documento arquitectónicamente arrollador y profundamente inspirado del nuevo clasicismo, que en su carácter confesional es hijo de un más sentido espíritu que la objetividad lúdica del neoclasicismo. Antes de que él, como principal representante de la vanguardia polaca, conquistara el mundo musical con experimentos aleatorios como su 2ra sinfonía o cuarteto de cuerda impresionado, estaba el hombre de Varsovia WITOLD LUTOSLAWSKI (1913-1994) un revolucionario nacido de la tradición. Cuando tenía cinco años, su padre fue ejecutado por los bolcheviques. A los quince años era alumno de composición de Witold Maliczewski. Salió a bolsa en 1939 con su Variaciones Sinfónicas. Después de la actuación de su 1ra sinfonía En 1947, su obra no fue deseada por las autoridades culturales debido a su lenguaje tonal demasiado avanzado, pero mediante el uso de elementos folclóricos logró volver a encontrar la aceptación oficial, hasta el éxito grandioso y duradero de su concierto para orquesta. La bukoliki (Hirtenwiesen) la escribió para piano solo en 1952 y la estrenó él mismo. Se basan en melodías populares recopiladas por Wladyslaw Skierokowski. Lutoslawski arregló la obra para viola y violonchelo en 1962, por encargo de William Primrose y Mstislav Rostropovitch, en un momento en que hacía tiempo que se había alejado de los métodos tradicionales de notación y estaba a la vanguardia de la representación del modernismo, pero al mismo tiempo confesó en retrospectiva: "Si usé estos (temprano) mirando obras, no me avergüenzo de ellos.« Nacido en Marsella, Hindemith fue para los alemanes DARIUS MILHAUD (1892-1974) para los franceses. Era un músico muy productivo, técnicamente superior y alegre. Las circunstancias externas no hablaban a favor de tanta alegría de vivir, ya que padecía un reumatismo severo desde la década de XNUMX, que inicialmente lo obligó a caminar con muletas y finalmente lo confinó a una silla de ruedas. Quienes lo conocieron informaron que no había persona más amigable que él. Además, nadie más ha cultivado la bitonalidad (actuación simultánea en dos tonos mutuamente contradictorios) con tanta elegancia y graciosa naturalidad. Con obras como Le boeuf sur le toit (1919) Saudades do Brasil (1921) y La creación del mundo (1923) fusionó la música de ›Mi sombrero que tiene tres esquinas‹, la samba y el jazz de una manera cautivadora y encantadora en los ingredientes básicos de los éxitos orquestales para la sala de conciertos. Todo esto sucede con una naturalidad y destreza incomparables, tocando, conmoviendo y acariciando al oyente con viva vitalidad, fino humor y tierna poesía. Al igual que Hindemith, Milhaud enseñó principalmente en los Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial. En la Academia de Música de Occidente, fundada en 2, Milhaud tenía dos estudiantes de composición: Murray Adaskin (1947-1906, violista) y Jim Bollé (nacido en 2002, violonchelista), para quienes escribió la composición clásica en tres movimientos en 1931. Sonatine Op. 378 para viola y violonchelo. Amaba los trucos contrapuntísticos, como en su octeto de cuerda, que también se puede interpretar como dos cuartetos separados. En el Sonatine hay un intercambio de voces en medio del primer movimiento, el mismo procedimiento se ejecuta de manera idéntica nuevamente con el signo opuesto. El lento movimiento medio flota íntima y soñadoramente, y el final tiene un carácter casi Ländler. ESCUELA SIEGMUND (nacido en 1916 en Chemnitz, muerto en 1944 en Terezín/Theresienstadt) es un caso trágico. Sus padres procedían de Galicia (hoy dividida entre Polonia y Ucrania) y cultivaban las costumbres de los judíos de Europa del Este. En 1933 huyó de los nacionalsocialistas a Praga. A partir de 1937 tuvo lecciones con Alois Hába, entre otros. En el mismo año estará en Praga sexteto para un estreno exitoso. Conoce a su colega mayor Viktor Ullmann y se casa. En 1941 él y su esposa judía fueron deportados a Terezín (lo siguió Ullmann en 1942), donde Siegmund Schul murió de tuberculosis el 2 de junio de 1944. En el obituario de su amigo, Ullmann afirmó: "En Schul perdimos una personalidad real, una personalidad artística realmente aspirante". En Praga, Schul se ocupó intensamente de la música judía y trabajó en una colección de canciones tradicionales de la sinagoga de Praga hasta su deportación. Compuso una perdida en Terezín divertimento ebraico y danzas jasídicas para viola y violoncello, que se interpretaban en el campamento durante los llamados 'eventos lúdicos'. Cuando Schul murió, sus manuscritos pasaron a ser propiedad de Viktor Ullmann. En 1944 Ullmann fue transportado a Auschwitz y asesinado. Tras la liberación, el cronista HG Adler se hizo cargo de los materiales abandonados, que sobrevivieron milagrosamente al cruel destino de sus creadores. Christopher Schlüren |
Programa:
Recuerdo de la Edad Moderna
Modernidad olvidada
La modernidad olvidada
Obras para viola y violonchelo
Otto Siegl (1896-1978)
Sonata a dúo op. 139 (1945) 15:44
[01] Largo ma non troppo 03:27
[02] Allegro en resolución 03:02
[03] Improvisación sobre una canción francesa. Andantino 04:38
[04] Interludio. Adagio 01:24
[05] Limpiar. Listo 03:13
rebeca clarke (1886-1979)
Canción de cuna y grotesco (1916) 05: 44
[06] 1. Canción de cuna 02:47
[07] 2. Grotesco 02:57
Paul Hindemith (1895-1963)
[ 08 ] Duett (1934) 04: 47
Günter Rafael (1903-1960)
Dúo para viola y violonchelo op. 47/4 (1941) 15:40
[09] I. Invención. Moderadamente lento 04:35
[10] Decisivo, algo mesurado, enérgico 02:29
[11] II Fantasía. Usado 02:27
[12] Muy suave y constante 06:09
Witold Lutoslavski (1913-1994)
bukoliki (1952/1962) 06:42
[13] I. Allegro vivace 01:12
[14] II Allegretto sostenuto, poco rubato 01:09
[15]III. Allegro molto 00:45
[16] IV Andantino 02:13
[17] V. Allegro marciale 01:23
Darius Milhaud (1892-1974)
Sonatina para alto y violonchelo op. 378 (1959) 17:11
[18] I.Vif 03:58
[19] II Moderé 08:35
[20]III. 04:38
Siegmund Schul (1916-1944)
2 danzas jasídicas op. 15 (1941/1942) 04:09
[21] I. Allegro moderado 01:26
[22] II Allegretto 02:43
tiempo total 70:14
julia rebeca adler, viola
Tomas Ruge, violonchelo
Reseñas de prensa:
25.03 - 2010
Recuerdo de la Edad Moderna
Obras para viola y violonchelo
Hay que tener cuidado con los redescubrimientos en vista de un repertorio en constante crecimiento y, al mismo tiempo, de recursos escasos: los clásicos aparentemente conocidos no deben dejarse de lado en favor de una escoria que, por muy políticamente incorrecta que suene, ha en muchos casos ha sido olvidado con razón. Pero este álbum titulado “Forgotten Modernism”, para el que la violista Julia Rebekka Adler y el violonchelista Thomas Ruge han reunido a siete compositores aparentemente conocidos y hoy en día casi desconocidos, merece una amplia atención. Por un lado, esto se debe a la instrumentación de viola y violoncello que se presenta aquí, que es incluso más rara que la ya exótica pareja de violín y violoncello, pero por otro lado también a la forma compleja de la composición, que se describe aquí. como moderno, que, además del conocido aspecto de la vanguardia, es más bien el elemento complementario, pero a menudo suprimido, de la seguridad técnica y, por lo tanto, indirectamente también la referencia a la tradición.
Las obras de compositores desconocidos que se presentan aquí son particularmente meritorias, ya que muestran que el modernismo, en contraste con la época posterior, todavía tenía estándares presentables de artesanía incluso en figuras menos prominentes. Otto Siegl (1896 - 1978) realmente dominó su contrapunto, como lo muestra de manera impresionante su Dúo Sonata Op. 139 en su desarrollo de líneas tonales; su tonalidad indulgente, incluso los ecos de música folclórica son el resultado de la voz limpia que conduce. Una música de juego, ciertamente, pero en la que, en 1945, la composición volvió a la materia pura.
Las dos piezas de personajes de Rebecca Clarke (1886 - 1979), Lullaby y Grotesque, tienen un humor más romántico y no sin pequeños préstamos de Richard Strauss; con estas miniaturas, sin embargo, sorprende cómo el compositor, estudiante de Stanford, logra la impresión de un conjunto mucho más grande a través de dobles paradas. El Dúo op.47/4 del berlinés Günter Raphael se destaca del pensamiento lineal de Otto Siegl y del trabajo más cordal de Rebecca Clarke, porque con él el contrapunto superiormente controlado con agresividad underground y tonos agudos, explorando todas las posibilidades técnicas desde el pizzicato. to sul ponticello, está coloreado de forma claramente característica. Similar a esto, se presentan los cinco estudios breves Bukoliki de Lutoslawski, en los que los ritmos contrastados entre sí juegan un papel mucho más importante que la digitación múltiple. En una comparación directa, la agudeza de Raphael y Lutoslawski tiene un efecto más fuerte que el dúo de Hindemith, que es abiertamente más modernista pero parece un poco disperso y, por supuesto, también se creó en muy poco tiempo como un trabajo ocasional. En la que probablemente sea la pieza más conocida de este álbum, la Sonatina op.378 de Darius Milhaud, hay mucha unanimidad, es decir, la alternancia de los instrumentos utilizados. Las dos diminutas danzas jasídicas de Siegmund Schul de Chemnitz, que murió en el campo de concentración de Theresienstadt, duran apenas cuatro minutos.
Julia Rebekka Adler y Thomas Ruge son solistas de la Filarmónica de Múnich y tocan estas piezas con una gran sensualidad en el sonido, sin empaste, como suelen tocar los músicos de orquesta como solistas, pero tampoco demasiado puntiagudas. También hay que señalar el excelente comentario de esta edición cuidadosamente diseñada por Christoph Schlüren, un reconocido experto en música olvidada.
Michael B. Blanco
02/2010
VIÑEDO/RECUERDO DE LA ÉPOCA MODERNA
Julia Rebekka Adler toca la viola desde que apenas era lo suficientemente grande para manejar un instrumento de su tamaño. Nacida en Heidelberg, Alemania, en 1978, estudió con Kim Kashkashian, Johannes Lüthy y Wolfram Christ en la Musikhochschule Freiburg, tomó clases magistrales con Walter Levin y Yuri Bashment, y completó su formación con Hartmut Rohde en la Universität der Artes Berlín. Habiendo ganado numerosos premios, Adler se cuenta hoy en día entre los mejores violas de la escena, ocupando puestos en la Filarmónica de Munich, el Cuarteto con piano de Viardot y el Solistenoktett de Berlín. Sus grabaciones hasta el momento son pocas y, salvo una excepción, un concierto de Hoffmeister, dedicado a compositores del siglo XX.
Como sugeriría la primera de las dos notas principales anteriores, Adler se ha interesado especialmente en Mieczysław Weinberg (1919-1996), cuyo nombre también se puede encontrar en grafías alternativas como Moisey Vainberg y Moisey Samuilovich Vaynberg. De origen polaco-judío, Weinberg, que perdió a la mayor parte de su familia en el Holocausto, escapó a la Unión Soviética/Rusia en 1939, donde permaneció hasta su muerte. Algunos lo consideran el tercer gran compositor soviético después de Prokofiev y Shostakovich, pero otros han criticado su trabajo como derivado y dañino, no solo para su propia reputación sino también para la de Shostakovich, de cuya música Weinberg puede ser incómodamente imitativo. Alexander Ivashkin, violonchelista y catedrático de Estudios de Interpretación y director del Centro de Música Rusa y de la Universidad Goldsmiths de Londres, criticó duramente a Weinberg y acusó a Weinberg de que "sus obras solo sirvieron para acabar con la música de Shostakovich, para cubrirla con una costra de numerosas y malas copias". .” Y Thure Adler, el esposo y gerente no oficial de Julia, al referirse a las sonatas para viola de Weinberg, admitió que “no califican como fáciles de escuchar”. Pero otros, incluido Hartmut Rohde, llamaron a las grabaciones de Julia “un evento único en cien años para el mundo de la viola”; y Andreas Reiner, profesor de violín y primer presidente del Cuarteto Rosamunde, calificó las grabaciones como “una obra musical poderosa”. Al final, cualquiera que sea el lado que se elija para acampar, no se puede ignorar el gran cuerpo de la obra de Weinberg, que incluye 22 sinfonías y 17 cuartetos de cuerda; y de hecho no ha sido por una serie de compañías que han grabado muchas de sus obras. Si es un visitante habitual de archivemusic.com, encontrará a Weinberg en la lista de Vainberg.
La Sonata para clarinete y piano de 1945, interpretada aquí en transcripción para viola, es una obra bastante temprana del compositor de 26 años y es, de las obras grabadas en estos discos, la más claramente imitativa de Shostakovich, así como el más fácilmente asimilable por el oído en una primera audición. Pasarían tantos años como los que el compositor había estado vivo en 1945 antes de que escribiera su primera sonata para viola solo en 1971. Las tres sonatas adicionales para solo seguirían en 1978, 1982 y 1983, y se encuentran entre sus obras tardías.
Al igual que con todas esas composiciones para instrumentos de cuerda solistas, desde Biber y Bach hasta Reger e Ysaÿe, las partituras de Weinberg presentan desafíos técnicos espinosos para el intérprete en términos de doble parada, digitaciones y arcos extraños y cruces de cuerdas complicados. Para el oyente, pueden presentar desafíos a medida que el oído trata de clasificar los hilos melódicos y las implicaciones armónicas. En ambos sentidos, los ensayos para viola sola de Weinberg no me intimidaron ni más ni menos que las Suites para viola sola de Reger o las Sonatas para violín solo de Ysaÿe. Sin duda, la paleta armónica de Weinberg se basa en gran medida en segundas menores, séptimas mayores y otras construcciones disonantes que chocan bruscamente, de modo que después de una exposición repetida, el oído llega a aceptarlas como consonantemente estables, lo que permite que las frases y, en algunos casos, los movimientos, se reproduzcan. final en cadencias que normalmente se considerarían no resueltas en la armonía tonal tradicional; la frase que termina en una séptima menor doble, ED, en el compás 19 del primer movimiento de la primera sonata es un ejemplo.
Sin embargo, sería exagerado calificar a Weinberg de vanguardista. Su música puede ser libremente tonal, pero no está en el estilo atonal de Schoenberg, ni cae en ningún “ismo” fácilmente clasificable de mediados o finales del siglo XX. Mucho de él es ruso en la forma en que Shostakovich es ruso: oscuro, melancólico y, a veces, amargo, irónico y burlón. Si tuviera que poner a Weinberg en un contexto histórico, diría que él y Galina Ustvolskaya (también nacida en 20) estaban en el primer flanco de los compositores modernistas soviéticos posteriores a Shostakovich que dieron origen a Boris Tchaikovsky (1919-1925). ), Denisov (1996–1929), Gubaidulina (n. 1996), Schnittke (1931–1934), Kancheli (n. 1998), Silvestrov (n. 1935) y Tischenko (n. 1937).
Fyodor Druzhinin (1932–2007), cuyo nombre puede no ser tan familiar como el de algunos de los citados anteriormente, puede, no obstante, estar incluido entre ellos. Sin embargo, su principal objetivo profesional fue el de violista que reemplazó a Vadim Vasilyevich Borisovsky como miembro del Beethoven Quartet en 1964. Fue Druzhinin para quien Weinberg escribió su Sonata para viola solo No. 1, y fue Druzhinin quien editó y publicó la partitura y la grabó para LP. Su propia Sonata para Viola Solo que se escucha aquí está muy en la misma línea que las sonatas para solo de Weinberg.
La viola de Julia Adler no se identifica, pero en sus cuerdas C y G produce un tono de tal amplitud y plenitud que uno podría engañarse pensando que era un violonchelo, mientras que incluso en los tramos más altos de su cuerda A nunca hay la más mínima. indicio de esa cualidad nasal pellizcada que puede palidecer el sonido del instrumento. Pero la viola no se toca sola, y por estas interpretaciones verdaderamente asombrosas y magníficas, Adler debe recibir su merecido. Tendría que estar de acuerdo con el citado Andreas Reiner que llamó a las actuaciones de Adler "una obra musical poderosa".
El segundo álbum destacado, titulado "Keepsake of Modern Age", está en todo el mapa musical y posiblemente atraiga a gustos más católicos. A pesar del título del disco, y del hecho de que todas las piezas que contiene datan del siglo XX, no todas son “modernas” en el sentido que suele atribuirse a esa etiqueta. Por ejemplo, el CD se abre con una sonata a dúo para viola y violonchelo de Otto Siegl (20–1896). Se trata de una obra tipo suite “neobarroca” en cinco movimientos que contiene una escritura romántica muy hermosa y expresiva. Incluso se cita que el compositor dijo: "Mi música no es en realidad 'moderna' como tal, y será igual de válida en los años venideros". Al igual que el cisne mudo que solo después de la muerte "cantó una vez y por lo tanto no cantó más", parece que no se ha vuelto a saber de Siegl. Se sabe muy poco de él, aparte del hecho de que nació en Graz, Austria, y se desempeñó como concertino de la orquesta de la ciudad antes de mudarse a Colonia, donde enseñó en el conservatorio y dirigió la orquesta allí desde 1978 hasta finales de 1942. el era No pude encontrar mucha información sobre Siegl más allá de la que ofrece la nota del folleto de Christoph Schlüren. Pero lo que descubrí por mi cuenta fue que Siegl escribió una ópera, varios oratorios, tres sinfonías, dos conciertos, uno para piano y otro para violín, varias obras orquestales misceláneas, cinco cuartetos de cuerda y varias canciones. Sin embargo, no se incluye nada de su producción aparte de este dúo para viola y violonchelo. Artistas y ejecutivos de compañías discográficas, ¿están prestando atención? Aquí hay tierra fértil para labrar.
Los otros dos compositores desconocidos aquí son Günter Raphael (1903–1960) y Siegmund Schul (1916–1944). Raphael tuvo un poco más de carrera. Su primera sinfonía fue estrenada por Furtwangler en Leipzig en 1926, y uno de sus alumnos estrella fue Kurt Hessenberg. Pero ser declarado medio judío en la Alemania nazi no ayudó a su carrera. No obstante, Raphael logró componer cinco sinfonías, conciertos para violín y órgano, media docena de cuartetos de cuerda y un volumen considerable de música de cámara para varias combinaciones de instrumentos. Se han registrado algunas de sus obras.
Schul no tuvo tanta suerte. Nacido en la ciudad sajona de Chemnitz, se mudó a Praga, donde trabó amistad con los compositores Alois Haba y Viktor Ullmann. La producción de Schul, sin embargo, es pequeña; pues en 1941 fue deportado al campo de concentración de Theresienstadt, donde murió tres años después a la edad de 28 años.
Los compositores restantes en el disco están tan familiarizados que no es necesario elaborar sus biografías. Ninguna de las piezas elegidas aquí, ni siquiera Bukoliki de Lutosławski, un compositor generalmente asociado con la vanguardia polaca, tiene una inclinación modernista intransigente. Algunas, de hecho, como la canción de cuna de Rebecca Clarke y los momentos del dúo de Raphael están imbuidos de una gran pasión romántica, mientras que la sonatina de Milhaud y las danzas jasídicas de Schul son completamente encantadoras y encantadoras.
Una vez más, Julia Adler está a la altura de las circunstancias, produciendo algunas de las interpretaciones de viola más magníficas que se han tenido en el disco, y cada parte de su pareja es el violonchelista Thomas Ruge. También merece mención de honor el pianista Jascha Nemstov que acompaña a Adler en el disco de Weinberg en la transcripción de la sonata para clarinete para viola y piano. Los CD de Neos están bellamente grabados y presentan a los reproductores un sonido excepcionalmente nítido y limpio. Es cierto que las obras de Weinberg requerirán un poco de esfuerzo para llegar a un acuerdo, pero al final valdrán la pena. Ambas versiones reciben fuertes recomendaciones.
jerry dublines
01/2010
OLVÍDATE DE LO MODERNO: DÚO DE VIOLÍN ALTO/CELLO
Onder de titel Recuerdo de la era moderna biedt het Duitse label op Basis van opnamen van Deutschlandfunk een omnibus van hier waarschijnlijk zelfs bij menige alto and violonchelista onbekende obras van bekende en haast onbekende compositores. Gemeen hebben ze dat ze op Milhaud's Sonatine uit 1959 na all in the first help of the twintigste eeuw be write. Aardig zijn antes de Lullaby de Rebecca Clarke y Grotesque en Lutoslawski's Bukoliki. Sustancial zijn de también obras boeinde van Siegl, Raphael y Milhaud. Los cálidos sonidos de un alto tintineo delicioso y sin meñique y un violonchelo gulle vallen aangenaam op het oor. Los muziekjes hablan en middellijk aan, zijn in gangbaar idioom geschreven, voortreffelijk uitgevoerd en opgenomen. Un nuevo CD de parte de Brokjes tegelijk te extrañaba y extrañaba un bron inspirador para los estudiantes antiguos y de violonchelo, op zoek naar minder voor de hand liggend moois.