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METAMORFOSIS DEL SONIDO Se han conservado obras de importantes compositores en diferentes versiones. Los cambios van desde retoques menores de la instrumentación hasta cambios completos en el elenco y una especie de nueva composición. A veces, los propios autores realizaron estas adaptaciones y publicaron varias versiones de una obra, a veces, los contemporáneos o las generaciones posteriores se hicieron cargo de estas composiciones para adaptarlas a cambios de escucha, cambios estéticos o nuevas posibilidades técnicas. Pero los arreglistas siempre se preocuparon por no tocar el contenido musical de la obra original. En el mejor de los casos, estas metamorfosis sonoras lograron producir un cambio de perspectiva que permitió que la respectiva composición apareciera bajo una nueva e inesperada luz. Johannes Brahms ha publicado numerosas obras orquestales en versiones autorizadas para piano, como su Variaciones de Haydn o los famosos bailes húngaros. Le resultó más difícil con su Quinteto con piano en fa menor, Op. 34, que inicialmente concibió como un quinteto de cuerdas en 1863. Cuando envió la obra a su amigo el violinista Joseph Joachim para que la evaluara, reaccionó bastante negativamente: “No quiero producir el quinteto tal como es en público, pero solo porque espero que cambies algunas cosas aquí y allá que son demasiado abrupto para mí y aclarar el color aquí y allá.« Brahms, de ninguna manera resistente a los consejos, luego trabajó el trabajo en uno Sonata para dos pianos que interpretó en Viena en 1864 con Carl Tausig y más tarde también con Clara Schumann. Ahora fue la viuda de Schumann, también íntima amiga de Brahms, quien habló de la "sensación de una obra arreglada" y opinó que se necesitaba toda una orquesta para llevar a cabo la obra. Aquí, también, Brahms siguió el consejo y creó una nueva versión para quinteto de piano. Pero la versión para dos pianos aparentemente fue tan importante para él que la publicó por separado como Opus 34b. Cualquiera de estos arreglos que se prefiera (Brahms aparentemente destruyó la versión original para quinteto de cuerdas), es una de sus obras de cámara más profundas, y cada uno de estos arreglos tiene sus propias cualidades tonales. Como suele ser el caso de este compositor, el movimiento final constituye el verdadero centro de la obra. La lenta introducción con su excesivo cromatismo toca el mundo musical de Richard Wagner tristan- Preludio, el tema principal que sigue probablemente no recuerda accidentalmente el final de Robert Schumann. Quinteto con piano op.44, que Brahms valoraba mucho. El movimiento final formalmente muy complejo está precedido por un movimiento de sonata en el que Brahms desarrolla tres grupos contrastantes de temas a partir de un lema de cuatro compases. Lo que sigue es un Andante parecido a un intermezzo y un scherzo de asombrosa actividad motriz, que temáticamente enlaza claramente con el primer movimiento. Hoy es difícil imaginar la enorme influencia que tuvo la obra de Richard Wagner en la siguiente generación de artistas. Esto no se limitó de ninguna manera a la música; sus dramas musicales también dejaron profundas huellas en la literatura y las bellas artes. Max Reger fue uno de los mayores entusiastas de Wagner. Confesó a lo largo de su vida que debió su decisión de seguir una carrera musical sobre todo a la influencia de Wagner: »Cuando escuché Parsifal por primera vez a los 15 años en Bayreuth, lloré durante quince días, y luego me hice músico.« Esta experiencia de despertar tuvo una influencia decisiva en Reger hasta su temprana muerte en 1916. Su objetivo final era superar a Wagner, aunque con medios musicales completamente diferentes. En años anteriores, él solo había escuchado la oración de Elisabeth desde el Tannhauser arreglado para armonio, en agosto de 1912 recurrió a los preludios de las obras musicodramáticas más importantes de Wagner, que arregló para dos pianos y abrió así una nueva perspectiva sobre estas piezas clave del compositor. Después de Meistersinger-Juegos previos y Tannhauser-obertura seguida en 1914 con el preludio y la muerte de amor Tristan und Isolde así como la despedida de Wotan y la magia de fuego del valquiria probablemente las transcripciones más importantes de Reger para dos pianos. ¿Era Wagner en el preludio armónicamente ambivalente y completamente cromático de tristan según sus propias palabras, se trataba principalmente de musicalizar un tema en un "largo curso estructurado" que se suponía que representaba "anhelo, insaciable, siempre nuevo deseo de nacimiento, sed y languidez", este es de hecho el caso en la nueva interpretación de Reger de el timbre reducido al piano - pero la audacia armónica de esta partitura, su densidad, su dramaturgia interna emergen con mayor nitidez en su versión. Arreglar obras de otros compositores o de él mismo para piano era una pasión de Maurice Ravel. Su primera partitura sobreviviente, La Juventud de Hércules, es la versión para piano de una obra de Camille Saint-Saëns. En años posteriores también realizó transcripciones para piano, como su ballet Daphnis y Chloé o el famoso Bolero. Las transiciones entre la escritura para piano y la orquesta son a menudo fluidas en la obra de Ravel, y el compositor estaba especialmente complacido con este hecho. Ravel también arregló algunas de las obras orquestales para piano de Claude Debussy. Además de los famosos Preludio de la tarde de una fauna es principalmente el ciclo de Noche, que muestra el arte de la transcripción de Ravel en su apogeo. El trabajo sobre el Noche ocupó a Debussy durante muchos años. Para él, este grupo de obras estuvo íntimamente relacionado desde el principio con la consecución de determinados valores cromáticos y matices. En una carta fechada el 22 de septiembre de 1894, explica el concepto del tríptico al dedicado de la obra, el violinista Eugène Ysaÿe: "Básicamente, se trata de la exploración de las diferentes composiciones posibles con un solo color, comparable a un estudio en gris en la pintura." Debussy probablemente estaba pensando en los cuadros del pintor estadounidense James Whistler, que había conocido en los salones de París. Esto también incluyó una serie con títulos musicales como Sympony o en Nocturno en Azul y Plata – Imágenes diseñadas principalmente como estudios en tonos de color específicos. Si Debussy había previsto inicialmente un solo de violín y orquesta, en la versión final utilizó un coro de mujeres en lugar del violín en la última pieza del ciclo, Sirenas. Sin embargo, la voz humana no se usa aquí como una parte vocal tradicional (no hay letra), sino que sirve como color instrumental adicional. En el texto del estreno, que muy probablemente procede del propio Debussy, caracterizó los tres movimientos de la Noche así: »Nuages, el aspecto invariable del cielo con el lento y melancólico vaivén de las nubes, que termina en un morir gris, suavemente teñido de blanco. Fêtes, el movimiento, el ritmo danzante de la atmósfera con el destello de luz súbita; también está el episodio de un desfile - visión deslumbrante, quimérica - que se mueve y se funde con el festival. Pero el fondo permanece, se afirma, siempre la fiesta y su mezcla de música, de polvo resplandeciente en un ritmo envolvente. Sirènes: el mar y su ritmo impredecible; luego, bajo las ondas plateadas de la luna, se escucha el misterioso canto de las sirenas riendo y pasando.” el estreno de Noche en octubre de 1901 no fue un éxito entre el público. Incluso el mismo Debussy evidentemente no estaba satisfecho con las transformaciones tonales que había intentado aquí. De todas formas, revisó la orquestación varias veces después del estreno. Martín Demmler |
Programa:
Johannes Brahms (1833-1897) [ 01 ] no muy alegre 11:17 Richard Wagner (1813-1883) [ 05 ] juegos previos Lenta y lánguidamente 07:33 Claude Debussy (1862-1918) [ 07 ] I. Nuages. Modere 06:14 Tiempo total de juego: 77:24 Dúo de piano GrauSchumacher |
Reseñas de prensa:
Abril 2021
[…] Los dos interpretan la Sonata de Brahms, por ejemplo, con una seriedad y una concisión rítmica impresionantes. El hecho de que uno perciba las transcripciones de las obras orquestales no como una reducción sino como una concentración se debe también a la excelente interacción del dúo. [...]
gregor willmes
25 / 2020 - 19.11.2020
experimentación y disfrute
Richard Wagner y Claude Debussy son conocidos por su estupenda técnica de orquestación. El dúo GrauSchumacher la toca a cuatro manos en dos pianos de cola. Y los dos pianistas alemanes logran resultados sorprendentes. De repente, los contornos se vuelven más nítidos y se destacan las audaces armonías. Incluso Wagner y Brahms están de repente asombrosamente cerca el uno del otro en 176 teclas de piano. Este "remix" es a la vez experimento y placer.
Silvan Moosmüller, SRF 2 Cultura
11.11.2020
El camino de la forma estricta al sonido liberado
Remezclado y ensayado: el dúo de piano Andreas Grau y Götz Schumacher presentan un sofisticado “remix”.
Los conceptos de programa inteligentes son una marca registrada del dúo de piano GrauSchumacher, que ganó el Premio Anual de la Crítica Discográfica Alemana en 2019. Constelaciones, diálogos y afinidades electivas ingeniosamente contrastadas, concebidas casi en términos de filosofía musical, a menudo abarcando épocas lejanas: Bach y Stravinsky, Mozart y Bartók, Purcell y Scriabin. [...]
El CD describe así un camino desde la forma estricta hasta el sonido liberado y, por lo tanto, una emocionante línea de desarrollo en solo 40 años de historia de la música europea entre 1859 y 1899.
Achim Stricker
10.11.2020
Cualquiera que le guste la música orquestal no solo con cuerdas reducidas, sino también sin violines y violas, debe buscar el último disco del GrauSchumacher Piano Duo. Los dos pianistas son líderes mundiales y ofrecen en "Remixed" (NEOS) arreglos del quinteto de piano de Johannes Brahms, los "Nocturnos" de Claude Debussy así como el final y el comienzo de la tragedia amorosa de Richard Wagner "Tristán e Isolda". Este no es de ninguna manera un programa común y corriente, casi nadie combinaría estas piezas de esa manera, pero encajan maravillosamente en su diferencia.
Reinhard Brembeck
07.11.2020
revista de musica
Nuevos lanzamientos con Silvan Moosmüller
“Sí, bueno, en primer lugar, GrauSchumacher recurre a arreglos que a su vez provienen de grandes compositores. Con Tristan Max Reger de Wagner. Y con Debussy, un arreglo de Maurice Ravel. El hecho de que funcione tan bien se debe también a su forma de jugar. No se trata de salvar la plenitud de una orquesta con dos pianos de cola. Más bien, rediseñan estas obras basándose en la lógica de 176 claves. El preludio de Tristán de Wagner casi parece un poco tosco, se toca sin rubati y parece nacer fuera de ritmo. Y con Debussy, los contornos sutilmente difuminados en la orquesta aparecen de repente con claridad cristalina. Es como usar gafas de repente”.