Texto de información:
El cielo destripado - La musique creuse le ciel La musique creuse le ciel de Wolfgang Rihm para dos pianos y gran orquesta es una obra temprana, compuesta entre 1977 y 1979; el compositor tenía 25 años cuando comenzó a trabajar en esta partitura. Es el golpe de genialidad de un 'joven salvaje' que, al comienzo de su carrera, sacudió el establishment de la vanguardia de la época. En este trabajo, Rihm rompe conscientemente la estructura hermética de la música en serie: los contornos claros y la densa red de estructuras motívicas y gestos característicos muestran un cosmos musical desde perspectivas siempre nuevas, que prescinde en gran medida de los escenarios en forma de bloque y, en cambio, está constantemente ' en flujo' parece ser. De hecho, es un ejemplo temprano de la idea de Rihm de 'música fluida', que retomaría y profundizaría en años posteriores, especialmente desde principios de los 1990. El título proviene de los poemas póstumos de Charles Baudelaire y podría traducirse aproximadamente como 'La música destripa el cielo'. Cuando Rihm comenzó a trabajar en esta obra, ya se había ocupado intensamente de los poetas expresionistas y de la poesía de Paul Celan y, especialmente en relación con Celan, había llegado a la etapa del 'diálogo real' con el poeta, como lo dice Josef Häusler. una vez formulado. El trabajo está claramente estructurado. Pausas generales y pasajes de extrema reducción musical marcan claras cesuras dentro del fluir musical. Al principio hay un motivo de tres tonos que reaparece una y otra vez en el transcurso de la obra, llegando incluso a comprimirse en cuartos de tono. La respuesta a este motivo de tres notas es otro elemento musical original, un trémolo casi ascendente en los instrumentos solistas. A partir de estos dos motivos, se desarrolla una unión apasionante y extremadamente densa. Pero el rumbo musical no surge del tratamiento temático de este material. Los dos elementos básicos son simplemente las piedras angulares, a las que Rihm siempre crea nuevos polos opuestos, desarrolla sorprendentes continuaciones o pone en marcha nuevos procesos sonoros. Es una música que siempre se esfuerza por empujar los límites, poderosa, enérgica, virtuosa en toda la textura. Incluso los pasajes más tranquilos nunca están libres de tensión, pero a menudo son la primera señal de que se acercan arrebatos catastróficos o progresiones tormentosas o desarrollos posteriores del material presentado anteriormente. Los trémolos entran en juego una y otra vez, aunque su función dramatúrgica dentro de la obra suele estar motivada de formas muy diferentes. Sin embargo, forman un soporte tonal que suelda los materiales heterogéneos. La musique creuse le ciel no aparece como un cosmos musical cerrado, sino que serpentea, prolifera, se ramifica y cambia constantemente de forma y dirección. La música a veces cambia de densidad, de color o de perfil en unos pocos compases. Se asemeja a una escultura líquida que está en constante movimiento. Al hacerlo, se acerca a una forma abierta con diversos grados de certeza, pero sin cuestionar el carácter distintivo de la obra, un gran ejemplo del despertar musical del neoexpresionismo a fines de la década de 1970. Visiones rítmicas – Überschrift Über-schrift para dos pianos fue escrito en 1992/2003. Con escritura para orquesta y escritura posterior para conjunto, es una de una serie de piezas centrales en las que el compositor aborda el proceso de escritura, que juega un papel central en el trabajo compositivo. Los puntos de nota individuales se encuentran al comienzo del trabajo a gran escala, que dura aproximadamente media hora. Establecen el ritmo interior en cuyo contexto surgen constantemente nuevas figuras y patrones. Al principio siempre hay solo gestos cortos, a menudo toscos: Rihm usa el patrón rítmico ›corto-largo‹ casi con insistencia. Solo más tarde estas frases cortas se desarrollan en estructuras más complejas y arcos más grandes, y los eventos individuales se ubican en un contexto más amplio. Durante largos tramos, la composición musical parece un rompecabezas cuyos espacios en blanco se van rellenando, recordando un estilo de baile desgarrado o un tango perforado y reconstruido gradualmente: el nacimiento de la música desde el espíritu del ritmo. Martín Demmler |
Programa:
Wolfgang Rihm (*1952)
[ 01 ] La música creuse le ciel (1977/1979) 34:12
Música para dos pianos y gran orquesta
[ 02 ] Titular (1992/2003) 26:33
para dos pianos
tiempo total: 60:47
Deutsches Symphonie-Orchestre Berlín
Pedro Rundelconductor
Reseñas de prensa:
04/2010
03/04.2010
11.03.2010
Delicias adictas al sonido
Interpretación: 
Calidad de sonido:
valor del repertorio: 
Folleto:
Los CD cuidadosamente editados del sello muniqués NEOS merecen atención. Alejados de los caminos trillados, intentan encontrar ofertas interesantes donde todavía hay mucho por descubrir para los amantes de la música. La presente grabación con composiciones de Wolfgang Rihm es una de las más profundas que actualmente se pueden descubrir en los catálogos musicales relevantes sobre la obra de este interesante compositor.
Las dos composiciones de este CD proceden de dos fases diferentes de la obra de Wolfgang Rihm. 'La musique creuse le ciel' se compuso en 1977/79, 'Headline' empezó en 1992 pero no terminó hasta 2003. La categoría de progreso, que en algunos lugares fue tan importante para la música del siglo XX, apenas ha desempeñado un papel para Wolfgang Rihm. Para él se trataba y se trata siempre de procesos comunicativos, pero sobre todo de escuchar atentamente o, dicho enfáticamente, de la música como una aventura en la cabeza.
'Über-Schrift' para dos pianos es una expedición a las profundidades del diseño sonoro, provocada por fascinantes efectos de flagolet, figuraciones rítmicas y melódicas, etc. El dúo de pianos Andrés Grau y Götz Schumacher cautiva con su clara estructura tonal y su rítmica apuntando. Conclusión: una interpretación conmovedora pero también meditativa.
'La musique creuse le ciel' para dos pianos y orquesta anticipa la composición 'Dialoge' de Bernd Alois Zimmermann. Rihm no revela ningún aspecto fundamentalmente nuevo, pero esto tampoco es significativo. Lo que es más importante es que aquí se crea una estética sonora prácticamente irreal con estados armoniosos de suspensión y un arte de instrumentación adicto al sonido, que, a pesar de toda la "tradicionalidad" y los ecos de lo familiar, siempre suena nuevo, como si estuvieras mirando una foto de familia bajo el microscopio y luego volver a juntar las partes individuales. La Orquesta Sinfónica Alemana de Berlín, dirigida por Peter Rundel, hace música sólida con determinación y gran conciencia de las conexiones motivacionales. El dúo Grau-Schumacher se presenta aquí con la misma elocuencia que acabamos de comentar y desempeña su papel de forma virtuosa, sensible y precisa.
La grabación deja poco que desear en términos de tecnología de sonido, aparte del hecho de que uno no puede quitarse la sensación de que los dos pianos de cola se han colocado demasiado en primer plano. Vale la pena conocer esta música. Además, la grabación abre un nuevo territorio compositivo y representa una importante contribución a la recepción de Rihm.
Michael Pitz-Grewenig
ene/feb 2010
La Musique greuse le ciel
Muchos oyentes estadounidenses pueden sorprenderse al descubrir que la música de Wolfgang Rihm (n. 1952) es considerada por muchos en los círculos de la nueva música alemana como peligrosamente reaccionaria. Esto tiene que ver con dónde se definen los límites de la “tradición”. Para Rihm, desde que irrumpió en escena a los veinte años, la "historia" ha sido definida por el lenguaje expresionista de principios del siglo XX, dejado con muchas de las técnicas derivadas de los avances modernistas posteriores. Aunque completamente germánico y menos abiertamente romántico, quizás se pueda pensar en John Corigliano como un análogo estadounidense útil. Pero como dije, muchos en Alemania encuentran su enfoque anatema. El ur-revolucionario Helmut Lachenmann y el último/alto/manierista modernista Brian Ferneyhough continúan escribiendo una música que sugiere que los descubrimientos del último siglo están lejos de haber concluido, y que la música eventualmente será algo apenas reconocible por su estado incluso 20 hace años que. Rihm parece creer que nuestra misión es redescubrir una especie de “pieza primaria” y reescribirla, y que como ahora somos los vivos, necesariamente será nueva.
No estoy enamorado de la visión altamente dogmática representada por los adversarios de Rihm y, como resultado, simpatizo con su enfoque más "historicista". Pero encuentro problemas con su trabajo. Es increíblemente prolífico, y parece que apenas se detiene para recargar su pluma, casi escribe. La música es dramática, espectacular y sobreexcitada. También me ha parecido algo superficial, a pesar de (o tal vez debido a) todo el Sturm und Drang.
Este disco nos regala dos obras protagonizadas por Piano Duo (Andreas Grau y Götz Schumacher). La musique creuse le ciel (1977/1979) es para dúo con orquesta y Über-Skript (1992/2003) para dúo solo. De los dos, el primero (título de una línea de Baudelaire, "La música ahueca el cielo") me parece el más exitoso y atractivo. A menudo proyecta misterios y presentimientos veraniegos, bastante escalofriantes. Hay episodios de orquestación deslumbrante; Por ejemplo, hay un pasaje que parece ser una combinación de ritmos de viento de madera punteados con trémolos de cuerda que se convierte en una sierra circular sónica gigante que gira. Aunque durante más de media hora, me encontré dispuesto a entregarme a ello. Pero cuando terminó (y más de una vez), me quedé preguntándome qué significaba todo eso, en todo caso. Parece haber aquí un fuerte deseo de agradar al oyente, aunque no con sonidos fáciles o bonitos, sino con espectaculares efectos de choque sonoro. Y el papel de los pianos es problemático para mí. Durante mucho tiempo, están sumergidos en la textura, por lo que parecen una ocurrencia tardía y son un poco impactantes cada vez que se reafirman.
Acerca de la fuente es más reciente, pero para mí aún menos satisfactoria. Es discordante, disyuntivo y abrasivo en sus sonidos; hay muchos ataques agudos contra fondos suaves. Para mí, esto es ahora algo así como un cliché de música nueva. La música se une lentamente de eventos aislados a algo más continuo, pero eso no parece ser una gran recompensa.
Al final, el efecto de la música de Rihm parece música de cine elevada. Esta no es una humillación fácil; de hecho es lo que más me intriga al respecto. En el mejor de los casos, esta música parece acompañar algún tipo de escenario no muy visto, obligándote como oyente a ejercitar tu imaginación al máximo para vincular el sonido y las imágenes interiores. Volviendo a la tradición, quizás el abuelo musical más cercano de Rihm sea Richard Strauss.
Las actuaciones son comprometidas, precisas y adecuadamente intensas. En el doble concierto, hay mucho para disfrutar, oscuro y sensual. Pero todavía no estoy convencido de ninguna profundidad en particular aquí.
Roberto Carlos
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