Wolfgang Rihm: Esferas

HUELLAS DE WOLFGANG RIHM

Nacido en Karlsruhe, Wolfgang Rihm se ocupó de la pintura, la literatura y la música a una edad temprana. Comenzó a componer a la edad de nueve años y estudió composición con Eugen Werner Velte y luego con Wolfgang Fortner en su ciudad natal cuando aún estaba en la escuela secundaria. En 1970 asistió por primera vez al Curso de Verano de Darmstadt. Siguieron estudios adicionales con Karlheinz Stockhausen en Colonia (composición) y con Klaus Huber (composición) y Hans Heinrich Eggebrecht (musicología) en Friburgo. El gran avance llegó con la pieza de orquesta. Morfonía - Sector IV en el Donaueschinger Musiktage en 1974. Rihm recibió numerosos premios y galardones, entre ellos: Premio Roma de la Villa Massimo (1979), Premio Beethoven de la Ciudad de Bonn (1981), Premio de Música Ernst von Siemens (2003), Cruz Federal del Mérito (1989), Gran Cruz Federal del Mérito (2011), Gran Cruz del Mérito con Estrella (2014), Premio Europeo de Música Religiosa (2017). Rihm comenzó a enseñar en 1973 y desde 1985 es profesor de composición en la Academia de Música de Karlsruhe. Vive en Karlsruhe y Berlín.

Wolfgang Rihm es, sin duda, uno de los compositores más exitosos de nuestro tiempo y ahora puede mirar hacia atrás en una obra enorme que difícilmente se puede clasificar en un estilo específico. La formación temprana a través de la familiaridad con las "artes hermanas", la formación humanística integral, las influencias inicialmente musicales de sus maestros y de la escuela de Schönberg, que por supuesto siempre se correspondieron con una fuerte conexión con la tradición clásico-romántica y una expresividad muy personal, dan como resultado un altamente idiosincrático y, a veces, un lenguaje musical refrescantemente transversal a la ideología predominante de la Nueva Música. óperas como jacob lenz, La máquina de Hamlet o en Edipo, canciones y obras corales muestran la fuerte referencia de Rihm al texto (similar a Orlando di Lasso), quien, sin embargo, también muestra su propio perfil con sus piezas orquestales amplias, coloridas y gestuales y la diversa música de cámara y conjunto.

Hasta el día de hoy, Rihm se ha mantenido fiel a su credo compositivo de 1974: “Mi forma de trabajar es a menudo vegetativa. Esto me da la oportunidad de seguir mi material en lugares donde crece por sí solo y, a veces, encontrar más de lo que busco. La composición debe ser abierta, no la forma. Para mí es importante componer obras musicales. Para mí una obra, una composición, es ante todo una suma de valores expresivos que se conjugan a partir de una decisión formal secundaria. La forma es en sí misma un valor expresivo.

En sus notas de programa para el ensemble recherche en octubre de 2003 (obviamente arrebatadas con dificultad), Wolfgang Rihm dice: “Vivimos en tiempos literales. Muchos consideran que la música es otra forma de texto. Tal vez lo sea, pero su texto definitivamente no está hecho de palabras. Sin embargo, ponemos textos antes y al lado de la música: palabras, frases, opiniones. Un juego de significados, irrelevante para lo que realmente suena. Un compositor que 'dice' algo acerca de su música en palabras es un idiota encantador en el mejor de los casos, un impostor en el peor. La negativa de un texto también es un texto«.

El problema abordado aquí es aún más agudo para aquellos que escriben sobre la música de otros de manera analítica o emocionalmente penetrante. Pensemos en Franz Grillparzer ("La música descrita es como un menú sin comida") o en Alban Berg, que tras su llegada Wozzeck-Autoanálisis pidió a la audiencia que olvidara todo esto y simplemente fuera a una ópera. Y, sin embargo, intentemos rastrear las obras de Wolfgang Rihm. En sus propias palabras si es posible.

esfera tras esfera para conjunto (1992 / 2003)

Según Wolfgang Rihm, »Las familias de texto se desarrollan a lo largo de los años. Algunas piezas llevan material genético que fue puesto en el mundo hace décadas«. ella tambien esta con esfera tras esfera muy claramente "o mejor: claramente se vuelven indistintos, porque la transformación y erosión de los textos es un elemento de su cambio expresivo, indispensable para su forma, que se manifiesta en un cambio incesante". En este caso, la transformación constante comenzó en 1990 con la pieza … et nunc, en cuya segunda versión venía una parte de piano solo, que luego se »dejaba libre« (nachstudie) antes de el Estudio Sphäre nach y finalmente »como en misas paródicas medievales« 2003 una parte integral de esfera tras esfera se convirtió en – »donde las esferas de sonido alrededor de las esferas de sonido alrededor del ›material antiguo‹ se forman de nuevo. Conscientemente lo digo así: 'ellos forman'. Porque mi tarea me parecía cada vez más la de un ayudante que hace posible que los potenciales de crecimiento se desarrollen según sus propias leyes.

esfera tras esfera es, por lo tanto, en el último punto hasta ahora donde se desarrolló el material genético 'viejo' de principios de la década de 90 después de tomar el primer camino.« (Un segundo camino condujo a una gran serie de obras orquestales). También la conexión con la secuencia de obras sobre la linea Es importante para Rihm, “que apuesta por el fenómeno del tren melódico, el melic flow”. Y: “Lo más puro y quizás lo más radical es lo inalcanzable, que constantemente se te escapa en medio de estos experimentos” y “la pregunta crucial: cómo y de dónde fluye la energía. Gradualmente pudo haber sido posible liberar algo así como la superficie del canto de una serie de marcos verticales ('cuneiformes'). composiciones como esfera tras esfera también deben entenderse desde este punto de vista. También."

cuatro veces Piezas para clarinete en A (2000)

¿cuatro veces? Solo cuatro veces el clarinete solo y, sin embargo, cuatro veces en el sentido de un monumento, una tumba, lo que sea. Con estas piezas, Rihm constantemente lleva el clarinete A a los límites de su espacio sonoro, utilizando gestos extremos: registros altos, dinámicas marcadamente contorneadas, alternando entre tres piano y triple fuerte. Los solos de clarinete se pueden escuchar como una “progresión de línea”, como un “golpe de pincel”. El cuatro veces son »menos el desarrollo de un germen que la huella de un movimiento de búsqueda« (Ulrich Mosch). Los cuatro movimientos son diferentes: el primer movimiento está marcado como »Libre, no rápido«, el segundo »Muy lentamente, como si viniera de lejos«, el tercero »Incitando disturbios«, el cuarto »Lento« - información que recuerda a Las designaciones de movimiento de Robert Schumann o Gustav Mahler, probablemente no del todo por casualidad.

Esfera de serafín para conjunto (1993–1996 / 2006)

La pieza más reciente de Wolfgang Rihm, estrenada en 2006, es otro ejemplo de la constante adaptación de los propios temas, de las siempre renovadas "armonías de las esferas" (Kepler). Entonces Esfera de serafín se basa en una obra escénica que se estrenó en su primer estado en 1993 y en su segundo estado en 1996: Serafín. intento de teatro para voces (sin letra) e instrumentos basados ​​en el manifiesto del mismo nombre del visionario del teatro francés Antonin Artaud (1896–1948), el fundador del »Teatro de la Crueldad«, a menudo denominado el »padre de la interpretación« – el teatro no como acción, sino el teatro como acción misma. La fuente de inspiración de Artaud, el ensayo »Séraphin« de Charles Baudelaire (1821–1867) sobre un teatro en el »paraíso artificial« de una intoxicación por hachís, fue la inspiración para este teatro musical alejado de la ópera convencional. En Esfera de serafín los mundos más desarrollados de »Séraphin« conectan con los de las »Esferas«.

Dejemos que Wolfgang Rihm tenga la última palabra: »Si ahora dejo la superficie superficial de este texto a través de un programa para volver al área esencial del trabajo compositivo [...], ¿lo hago como un idiota o como un impostor? Seamos misericordiosos y seamos realistas mixto compuesto a: Lo hago como compositor«.

Gottfried Franz Kasparek