OBRAS PARA ORQUESTA
Iannis Xenakis - Toshi Ichiyanagi - Yoichi Sugiyama
Iannis Xenakis (1922-2001)
jonchas (1977)
Un desarrollo decisivo del arte musical en la segunda mitad del siglo XX fue el paso del mero "disfrute" a la búsqueda de formas de expresión completamente nuevas, hasta entonces inimaginables. En este sentido, la carrera de Iannis Xenakis es un ejemplo de innovación artística en el siglo XX. La música de Iannis Xenakis fue creada aplicando principios matemáticos y estocásticos a la creación, resolución, distribución y densidad de sonidos. Aunque el término "matemático" puede sugerir algo frío e inhumano, intentar diseñar fenómenos a gran escala (como los contornos de las nubes o las bandadas de pájaros) requiere inevitablemente una forma estocástica de pensar. Como arquitecto de formación, Xenakis adoptó este método sin dudarlo y exploró sus posibilidades hasta el final.
jonchas, compuesta para 109 instrumentos y estrenada en 1977, podría verse como una contraparte de la pieza electrónica La leyenda del águila que fue concebido aproximadamente al mismo tiempo. Aunque las dos piezas difieren mucho en su efecto sonoro, Xenakis insistió en que se basan en el mismo concepto matemático básico. El elemento central de jonchas es una escala espacializada, no octavada, basada en la llamada teoría del tamiz, que recuerda a la escala Pelog javanesa (e–f–g–h–c). Esta escala se expande y se transforma a lo largo de la pieza, creando un paisaje sonoro impactante y cautivador. La obra comienza con un tormentoso glissando de cuerdas, interrumpido repetidamente por una nota estridente en un registro alto, que recuerda la atmósfera tensa de las películas de Hitchcock. Psicópata Te hace pensar. Poco después suenan los timbales y surge una melodía escasa basada en la escala pelog. Esta introducción es sin duda uno de los comienzos más impresionantes en la obra de Xenakis. El giro y enrollamiento de las cuerdas de dieciocho partes crea una expresión que, curiosamente, evoca cierta nostalgia. Pero como el propio Xenakis señaló: "Esta pieza comienza ruidosamente, luego se insertan elementos periódicos por medio de funciones estocásticas": las estructuras rítmicas cambian gradualmente, con el pulso acentuado por la percusión. Un largo crescendo va aumentando gradualmente hasta alcanzar una intensidad casi salvaje que casi cae en el caos. Después de que pasa la tormenta, surge un espacio sonoro tranquilo y suave, caracterizado por glissandos de trombón. Al final de la pieza, sólo quedan las notas más agudas del flautín, mientras las reverberaciones de los sonidos de los metales se desvanecen desde varias direcciones.
Toshi Ichiyanagi (1933-2022)
Concierto doble para violín, shamisen y orquesta (2021)
Toshi Ichiyanagi, nacido en Japón en 1933, se mudó a los EE. UU. después de graduarse de la escuela secundaria para estudiar en la Juilliard School. Allí conoció a John Cage, cuya música lo influyó profundamente, y siguió un período de estrecha colaboración. Cuando regresó a Japón en 1961, trajo consigo el estilo aleatorio de Cage y simultáneamente presentó una serie de sus propias obras experimentales, que causaron un gran revuelo en la escena musical japonesa. Pero su carrera no terminó con estas primeras innovaciones. A partir de la década de 1970 incorporó rápidamente técnicas de repetición a su música y a principios de la década de 1980 ya había completado varias obras de gran formato (óperas y oratorios) que parecían unir y reconciliar sus enfoques anteriores. Su espíritu de experimentación duró hasta el final de su vida. Ichiyanagi cuestionó constantemente la naturaleza del tiempo y el espacio; Para él las dos dimensiones eran inseparables. Esta perspectiva, que recuerda la de Cage, corresponde también a la sensibilidad japonesa hacia la naturaleza y la temporalidad.
La última composición de Ichiyanagi fue la Concierto doble para violín, shamisen y orquesta, completado a la edad de 89 años. La elección del violín occidental y el shamisen japonés como instrumentos solistas para un concierto doble es extremadamente inusual; De Lou Harrison Concierto para instrumentos gamelán y violonchelo sería una de las pocas piezas comparables. Incluso parece ser la primera vez que el violín y el shamisen se combinan de esta manera. Pero era más que una mera novedad: Ichiyanagi había estado buscando formas de unir los lenguajes musicales orientales y occidentales desde la década de 1980. El doble concierto representa uno de los momentos más destacados de su prolongado compromiso con esta cuestión.
Llama la atención la ausencia de instrumentos de viento; En cambio, la orquesta contiene cuatro conjuntos de percusión que despliegan una notable paleta de timbres. El primer movimiento comienza con el violín solo; Pronto se suma el shamisen y desde el principio hay un gesto tipo cadencia. El shamisen toca una secuencia de acordes rápida, la orquesta se suma y de inmediato se desarrolla una textura compleja. Los gestos característicos del shamisen se transfieren a las cuerdas, especialmente al violín solista, creando un efecto sonoro vívido y memorable.
El segundo movimiento podría quizás describirse como el tipo de minimalismo propio de Ichiyangi. Los instrumentos solistas se entrelazan con incesantes repeticiones en las violas y los violonchelos, dando como resultado una variedad de estados de ánimo. En el medio, la batería, el violín y el shamisen se unen en un pasaje fluido en el que hay un entrelazamiento gradual de flujos temporales influenciados por Oriente y Occidente. Finalmente, el material inicial regresa, apareciendo los patrones de repetición en las cuerdas graves. En los momentos finales de la pieza, los ritmos de los instrumentos solistas se unen para crear una resonancia rica y poderosa. Esta conmovedora conclusión representa la culminación de la vida artística de Ichiyanagi.
Yoichi Sugiyama (* 1969)
Auto retrato (2020)
Yoichi Sugiyama, nacido en Tokio en 1969, comenzó a estudiar composición con Akira Miyoshi a la edad de doce años y posteriormente se graduó en la Escuela de Música Toho Gakuen. Allí también estudió dirección con Morihiro Okabe. A partir de 1995, con la ayuda de una beca del gobierno italiano, estudió composición con Franco Donatoni y Sandro Gorli y dirección con Emilio Pomarico. Después de mudarse a Milán, Sugiyama construyó una carrera como compositor y director. Ha recibido encargos de numerosas instituciones japonesas e internacionales, entre ellas Milano Musica, la Bienal de Venecia y el Festival de Verano Suntory Hall. Como director ha trabajado con conjuntos de renombre como la Orquesta Sinfónica NHK, la Filarmónica de Tokio, la Orquesta RAI, el Teatro Comunale di Bologna, el Ensemble Modern y el Klangforum Wien. Se dedica también a la formación de jóvenes músicos y actualmente imparte clases en la Academia de Música Claudio Abbado de Milán.
Auto retrato [Autorretrato] fue compuesta en 2020, cuando la pandemia de coronavirus arrasó el mundo y se cobró numerosas víctimas en Milán, donde vive Sugiyama. En respuesta a estas circunstancias, creó un inusual autorretrato musical.
Esta obra orquestal sirve como crónica sonora de las guerras, los conflictos y el malestar social que han estallado en todo el mundo durante los últimos 50 años, desde 1969, año en que nació Sugiyama, hasta 2020, cuando se completó la pieza. Su planteamiento compositivo es el siguiente: En primer lugar, Sugiyama cita a Juan Bautista Cabanilles. Batalla imperial, una pieza que escuchaba a menudo cuando era niño. Después de esta introducción viene una larga serie de referencias a conflictos globales. Para cada evento se toca el himno nacional correspondiente (o, en el caso de guerras civiles, el himno regional). Cada nuevo año se anuncia con el sonido de un gran tambor y surge un collage de himnos nacionales superpuestos. Siempre se toca primero el himno de la parte combatiente atacada: en la guerra de Vietnam, por ejemplo, se toca primero el himno nacional de Vietnam del Sur.
La división geográfica de la orquesta añade un nivel adicional de complejidad. Los instrumentos de viento representan países del sur de Asia, Europa central, Irlanda del Norte, etc.; Los músicos de metal tocan los himnos nacionales de los estados postsoviéticos. Los primeros violines tocan himnos africanos, los segundos violines los de la Península Arábiga, los violonchelos los de Indonesia, Filipinas, Corea del Sur, China y regiones vecinas, y finalmente los contrabajos los himnos centroamericanos.
Tres acontecimientos importantes –la caída del Muro de Berlín, la disolución de la Unión Soviética y los ataques terroristas del 9 de septiembre– se tratan como excepciones al ser marcados con el sonido de campanas tubulares. A través de este complejo esquema, toda la obra cuenta la sombría historia de la guerra global. Sus sonidos densos e inquietos reflejan los trastornos del mundo. La pieza termina con un sonido fúnebre italiano en la trompeta, que simboliza a las víctimas diarias de la pandemia, cuyos funerales en Italia fueron acompañados precisamente por este sonido.
Yuji Numano
Traducción: Wieland Hoban